李斯特练习曲 李斯特练习曲风格与其技术的归纳与分析

别列佐夫斯基演奏李斯特的超技术练习曲第139首

李斯特练习曲风格与技术的归纳与分析李斯特的作品风格与其演奏风格一致，气势恢宏，描写富有诗意。李斯特的练习曲是其最具象征意义的代表作品之一，这需要高超的技术水平才能演奏出他华丽辉煌的演奏。通过对李斯特练习曲风格的探讨，总结和分析了需要的技法，为更好地诠释作品所蕴含的内在精神，准确把握作品提供技术支持。

李斯特的创作和演奏充满热情、活力，技巧精湛，表现手法多样，可以说有着音乐厅管弦乐队的惊人威严。就像匈牙利李斯特音乐学院三楼李斯特雕像的高度和角度，暗含着作为一个音乐时代的创始人，俯视世界，以他人为荣。他的演奏和创作也借鉴了肖邦的钢琴效果，如旋律的抒情性和自由节奏的方式等。，并创造它们，在钢琴上发出温柔、优雅、顺从的低语。在李斯特的练习曲中，也能体会到李斯特生动的钢琴风格、力度和交响本质。与车尔尼和肖邦的练习曲相比，李斯特的作品充满激情，戏剧性，色彩鲜明，甚至速度和力度夸张，充满激情和雄壮的气势，不同于古典音乐派的理性表现。

钢琴家古尔德认为，世界上的古典音乐大师可以分为两类。一个是探索最大限度发展乐器的无限可能，一个是完全没有能力。在一流的演奏大师中，毫无疑问，传奇的两位大师李斯特和帕格尼尼在历史进程中占据着不可替代的地位，伴随着他们黄金时代各种高超演奏技巧的发展。似乎他们的天性就是不断地让人意识到自己和所演奏的乐器之间的奇妙关系。正是这样一种演奏者与乐器的关系，成为了听众关注的焦点。李斯特和帕格尼尼的关系一直是音乐史上的经典故事。小提琴家帕格尼尼的惊人技艺深深打动了李斯特，他决心在钢琴上创造同样的奇迹，将自己的钢琴技巧发挥到极致。而李斯特并没有把技巧本身作为终极目标，而是更注重音乐内涵的表达。这种风格在李斯特的练习曲中体现得尤为突出，李斯特的一套改头换面的《帕格尼尼练习曲》将这一概念诠释得淋漓尽致。关于演奏中技巧和风格的掌握，李斯特认为技巧是令人信服的演奏的前提，但相对于口译作品，其重要形式是第二位的，即技巧是前提，口译是根本。李斯特曾经说过，技能应该来自头脑，而不是来自机械的练习。-李斯特和帕格尼尼，一对浪漫的天才

李斯特的练习曲有很多技术难点，是钢琴演奏者必须解决的问题，也是实现音乐演奏的前提。由于音乐环境的不同，每部作品中的技术要求必然会有不同的处理方式。此外，技术解决方案因人而异。除了这两个因素之外，一些常见的技术总结如下，并总结了一般的解决方案:

八度:

李斯特的练习曲中，连续的八度音阶随处可见。比如2号，4号，6号，7号，8号，9号，10号，11号等等。超级练习曲的大部分都有浓缩的八度段落。特别是英雄，是著名的双手平行八度长距离跳跃练习。八度技术中，主要有平行手，交替和分解八度。

通常八度演奏需要腰部和上身力量的传递，下沉全身，穿透键底。而运动轴线转向肘部和肩部时，双手在承受较大作用力的同时必须具有刚性和弹性，以保证在受到瞬时集中力时的稳定支撑。如果跳八度，需要保持低音区的和声和高音区的旋律突出。长距离跳跃时，无论双手是同向还是反向，都要有音乐重点，以惯性和弧线来弹奏。保持双手紧张，整个手臂放松，尽量把双手贴在键盘上，这样就可以弹奏，有一个彻底有弹性的音色。必须注意大手指和五指的支撑。两个指尖清晰果断的触键非常重要。从肩膀到指尖的力量感是关键。

连续全主和弦:

李斯特的作品几乎离不开声音洪亮的大和弦。超级练习曲有1号、2号、3号、4号、8号、9号、11号和弦，帕格尼尼练习曲有2号、3号、1号和弦。和弦也分为几种不同的情况:

1.尖短和弦:弹奏时，不同长度的手指同时触键，手不能有错误的动作。所有声音都要同时发声，声音要整齐和谐统一，力度均匀，不漏音。

2.连唱和弦弱奏:弹奏时保持手最自然、最合适的弧形，在手腕上贴一些键，然后用手腕的自然重量放下。关节的弹性影响和弦的音量。

3.对于深沉洪亮的和弦，大多采用高腕动作，利用整个手臂和背部的力量。

琶音、断和弦和扩展大调范围超过八度的断和弦；

李斯特的断和弦有多种特殊处理方式:八度以内，如第一首超级练习曲；长琶音，比如9号，充满了贯穿句式的五彩琶音。十度以上和弦分解，比如超训的4号、6号、10号、11号，帕格尼尼练习曲的1号、6号。

在练习中要注意:大手指要转的快，手腕可以稍微高一点，手臂力量可以加上去做好推。手指灵巧平均，弹奏时要支撑哪个手指，保证音量均匀，节奏准确，其余手指要很放松。要保持手型的标准，可以反复练习同一个位置，熟悉指尖按钮的位置和传力方向，再练习连接不同的位置。

一句接一句的快速华彩乐段:

各种音阶、半音阶或其他组合也是李斯特常用的方法。在超级训练中，集中在帕格尼尼的第12首歌和第1、2、3首歌。

1.弹奏音阶时，注意手指始终在待弹奏键盘上方，与动作的肌肉相协调，手腕略低于手掌。大手指前半部分必须自然向内弯曲，最好用食指形成虎口。手掌、手腕和前臂大致成一条直线。

2.半音阶:提指的动作要紧凑、经济，手要稳定，手臂的力量带动三个关节灵活运动产生的方向感要敏捷果断，大指的独立性和灵活性很重要，落键和离键的速度要控制的很均匀。

各种双音:

包括三度、六度等复音的组合:李斯特的复音很难，超练的第五个“归火”是有名的复音练习。帕格尼尼练习曲中，第六首也有难度较大的双音段，而第四、五首是三度练习。在双音演奏中:

1.三关节要全开，前臂位置要适中，手指指法变换要以灵活敏捷的动作为主。手指轻快、独立、靠近导线、手掌弓起良好，应注意扑救动作。

2.注意较弱的4指和5指。当他们倒下时，他们应该比其他手指更活跃、更快。

3.建立良好的方向、间隔、形状概念，熟悉上、下、平行的关系

东京风格的双臂交叉:

超级训练第十课是双手交叉的集中练习，第一课也有类似的技巧。

1.双手默契而自然地交替，在接合处不留下空隙或压力。

2.刚开始动作要稍慢，高度、速度、力量、节奏要完全统一，手腕不要僵硬，前臂和肘部要放松。

颤音和颤音:

李斯特将它们与其他技术相结合，对手指的柔韧性和伸展性提出了更高的要求。超训第12首歌是专门练颤音的。帕格尼尼练习曲一、三号也有这样的技巧。玩的时候一定要避免手的相持和紧张。玩的越均匀效果越好。颤音很容易弹得很轻率，所以要控制踏板的使用。

跳跃和断裂声:

李斯特的第4、6首帕格尼尼练习曲作为19世纪广泛使用的技法，使用了大量的断键，第三首《钟》，是一首技巧难度高、效果辉煌的综合性高科技音乐。其中距离跳跃到两个八度的宽范围。第六首歌也有一个跳远段。注意掉键的准确性和动作的连贯性。尤其是大跳之后，尽量避免掉键前瞬间的下意识停顿，否则会妨碍音乐的自然度。跳绳的音色有很多种，有时需要手腕的晃动，有时需要大臂的力量，有时需要指尖的微小动作，不能一概而论。总的来说，“砸”的声音应该是永远不会出现的，要注意依靠动作的惯性来获得良好的音色。尤其是音程距离大的节拍之间，注意方向和力度应该是一个“抛物线”的运动轨迹，避免掉键直接在上面匆忙移动，会破坏音与音之间的线流感。

重复的声音:

重复也是李斯特极大发展的一项技能。比如帕格尼尼练习曲3号，有重复八度的难段落。玩的时候要注意

1.在键盘上尽可能清晰地弹奏每个手指。下一个键弹到一半的时候，一定要弹第二个手指，手指的变化要灵巧清晰。重点是三个关节的灵活性和主动性。

2.指法变化准确，弹奏的手指收缩到手的心脏，音符的时间值要均匀。指尖触键要细致清晰，每一个音都要明亮、清晰、连贯，做到轻重与音质的平衡。

多种声音同时演奏:

李斯特的练习曲和声丰富，很多旋律写起来很轻松。要弹好这几段，手指、手腕、前臂必须协调自如，要根据声音的变化弹出各种音色变化，保持良好的音乐比例感。需要使用手掌支撑的不同倾斜度来调节不同声音之间的音量需求。

从整体技术角度来说，演奏李斯特的练习曲目一定是华丽而冲动的。不仅要注意手指的跑动，还要把跑动和连指、指点、跳跃进行比较。头韵的音流要像弦乐器演奏一样有连续性；另一方面，点跳要避免因为用电不合理，触控技术不完善，导致不能在一副对联的音流中弹出空。表演要非常流畅华丽，对比不仅要有大的外观，还要把握瞬间的爆发力。要有很强的抒情性和内在的力度，既能让多变的旋律非常清晰，又能让音色自然优美，充满变化。柔中带刚，旋律如歌，与旋律同生共死的音色不应淹没。在疯狂的跳跃中，要掌握基于放松的调整和变化，否则就不会让忙碌的手指飞快地敲一点鬼火。此外，还应在合理放松的基础上，进行身体、肩、臂、腕、指的协调力量训练。最后要注意的是，钢琴具有打击乐器的性质，所以我们要了解歌剧、交响乐等音乐，模仿人声和乐器，让我们的音色富有理性和感性的变化知识。玩的时候不仅要画线，还要画质感和色彩。

以上技术的描述只是粗略的总结，仅作为最常见的解释和分析，以供参考。在任何地方，音乐的整体效果都要根据个人自身条件来考虑和分析。唯一能说清楚的，就是努力做到动作放松，音色自然，这样音乐才能演奏流畅，听觉也比较舒服。简而言之，李斯特的音乐可以从声音中散发出男人的骄傲；深厚的哲理隐藏在华丽的技巧之下；带着自信的探索和唾手可得的轻松，不仅有完全属于钢琴的声音，还有管弦乐队的多层次交响乐和对独特民族音色的诠释。同时也要知道，李斯特是一个自省的人，内心似乎总在和什么东西作斗争。他的音乐恰恰反映了这些矛盾。浅薄、虚荣的追求和深刻、真挚的哲学思考往往列在一部作品里。作为一个表演者，如果能领悟到这一点，他在演奏中就会有不一样的深度和韵味。