林耀基 林耀基丨小提琴内在的六大关系

纪念林耀基先生逝世十周年

陈饰演的《夏日最后一朵玫瑰》

小提琴演奏中的十大关系

小提琴的六大内部关系是:

首先，用力放松

很多人在玩的时候，无论是心理上还是生理上都经常处于一种“紧张”的状态。多年来，“放松”这个话题一直渗透在小提琴教学中。但是对“放松”这个概念的理解并不一致。林耀基认为“放松是为了消除多余的力量”。拉小提琴是一项运动，需要力量。握琴，握弓，用左右两手弹奏，都需要一定的力量。重要的是用什么样的力，在不同的情况下用多大的力。用力是否恰当是放松和紧张的分界线。

比如背弓时，弓和右臂都有一定的重量，弹奏时“把弓放在弦上，手放在弓上”产生的力“1+1=2”。通过充分利用这两种天然的重量，打球会省力，省力就是放松。反之，如果用额外的力把弓抓得太紧，额外的力会抵消弓的重力，两个力不相加而是相减:“1-1=0”，这样表演就费力了，会出现“紧张”的状态。由于杠杆原理，作用在弦上的重力随着弓运行时位置的变化而变化。如果要播放均匀的声音，需要调整手指和手臂来增加或减少用于变换的力。如果用最小最必要的力，这个力的绝对值就不能称为“张力”。林耀基经常对学生说:“我们所说的放松，不是睡觉时的绝对放松。”相反，我们应该在运动中寻求放松。“放松”的原则不仅体现在鞠躬上，还体现在整个演奏循环中，贯穿于整个演奏过程。

二、动态与静态

事物的运动是绝对的，但绝对运动中有相对静止。没有相对静止，就没有运动。两者相互依存，相辅相成。小提琴演奏中也有“静”的因素，把握好“静”的因素非常重要。比如左手手指握弦后要安静，否则音准会被破坏。保留意味着更安静，不受其他手指动作的牵连。对于右手弓，林耀基提出了“手动弓和安静”，弓的动作要“始终平衡稳定”，都强调安静。有时候要强调“动”，在演奏慢弓的长音时要强调弓的流畅性。在表现音乐时，要把握动静的统一，弹快流音组，以静心静耳树立“静”的支柱；玩慢段和极慢动作时，要多了解他们的内在动机。波涛汹涌之下，有平静的海底，平静的河水之下，有奔腾的暗流。"运动中有静止，静止中有运动."。

三.变化和稳定

音乐是流动的建筑。由于不同音符的无限组合，以及人们丰富多彩的感受，这座建筑也是多变的。面对这千变万化的局面，人们的玩法变得越来越混乱和迷茫。鉴于这种情况，林耀基提议在变革过程中寻求稳定。节奏是音乐的轴心。节律均匀准确，搏动节律稳定，无心脏跳动等“心律失常”。林耀基经常提醒学生要有“放松的感觉和坚定的节奏”。准确的音高和优美的发音是这座建筑的“标准部分”。无论旋律怎么走，音符怎么拍，力度、音色、情感基调怎么变化，这些“标准件”都是不可破坏的稳定因素。对于那些单调、缺乏音乐表现力的演奏者，要注意音乐的变化。变化和稳定也是相辅相成的，“变化中有稳定，稳定中有变化”。

四.空之间的时间和时间

音乐是时间的艺术。可惜乐器占据了一定数量的空。小提琴的四根弦之间，手指与弦之间，同一根弦上的音之间都有一定的距离，琴弓向两个方向运动。所以要用普通的方式换指、换把、换弦、换弓，导致小提琴演奏中空之间出现障碍。俗话说“换字容易刁钻，问题出在空”之间。空之间的这个障碍，往往会影响音符时间值的准确性，破坏时间的艺术。

为了克服空之间的障碍，解决四换问题，林耀基提出减少空之间的间隔，争取时间。他告诉球员们，在比赛中，左手和右手应该采取短距离的方式，而不是走不必要的路线。比如换弦时，弓的换弦扇面的角度要尽量减小，右手的垂直运动要尽量缩短，左手的手指不要抬得太高。在满足力量需求的前提下，升力越低越好。

减少空之间的音程，争取时间，不仅可以保证音符时间值的准确性，更重要的是可以延长每个音符的发音时间，增强乐器的共鸣，造成空之间巨大的震动。也有助于减少多余的动作，让演奏更省力，更放松。

V.情感与理性

丰富的情感是优秀艺术家的必要条件。一个球员内心没有情感，没有激情，没有激情的表现是没有感染力的，不会打动观众的。但由于情绪激动过度，缺乏必要的理由，演奏会失去控制，音色不准节奏不均匀，音质不准，音色不美，会让你无法表达自己想表达的东西，让你痛苦。林耀基主张小提琴家应该有一颗平静的心和一颗火热的心，并认为只有通过合理的使用才能合理地分配情感，从而实现音乐的充分演奏和自我的充分享受。

不及物动词共性和个性

一架钢琴，一把弓，人手组成一个演奏环，通过环的运动来演奏音乐，力求完美地表达音乐的内容和自我情感。所有好的玩家都是这样，这就是他们的共性。由于人的手和手臂的大小、长短、粗细的不同，人的生活经历、思想感情、心理气质、审美观点的不同，不可能保持表演姿势和情调不变。

演奏技巧是这样的，比如左拇指的位置是高还是低，应该是前还是后。对于这个长期争论的问题，林耀基认为拇指可以放松，玩家可以舒服地拉它。他不主张拇指有固定位置。事实上，很多表演者都很不一样。柯岗把大拇指放在脖子下面，舍林格几乎没有在下巴和脖子之间留下任何空隙。但都是把较弱的小指放在有利的位置，让四指均衡发展。其他环节也是一样，让你在不违背基本原则的情况下，选择适合自己生理特点的姿势。再者，由于玩家的听音习惯和爱好不同，音准的概念和音准的选择也发生了变化。舒伯特的《圣母院颂》开篇，三位一流的演奏家用三种方式表演，观众都能接受，很美。林耀基要求学生在旋律为主的时候注意旋律，在和弦为主的时候注意和声。如果和钢琴同度或同八度进行，就要用十二等律，和钢琴是一致的。他自己称之为综合平衡定律。无论你如何选择和改变，你都应该让人们的听觉乐于接受和享受美。共性体现在个性上。

尤其是在艺术上，个性在音乐表现上极其重要。表演者不仅是音乐的解释者，也是音乐的再创造者。每个大师对音乐的处理都是独一无二的。单纯的模仿别人，没有创造力和个性的演奏是没有艺术价值的。在教学中，林耀基特别善于引导学生发展自己的特长，建立自己的风格。他经常告诫学生，任何艺术家的方法、音乐表现、艺术思想都不是绝对的真理，绝对不能活抄。应该吸收的只能是其内在的规律性和普遍性。他的教学旨在培养学生的科学性、艺术性和创造性，突破了以传授知识和技能为中心的传统框架，进入了以学生主动和创造性学习为中心的现代轨道。

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