亚洲天堂2018 2018亚洲艺术大奖ASIAN ART AWARDS

亚洲最重要的艺术奖:2018年亚洲艺术奖。包括年度艺术家、年度最具影响力艺术家、年度最具创新性艺术家、年度美术馆、年度展览和个人贡献奖。该奖项旨在表彰赢得广泛社会共鸣的艺术活动，期望影响艺术创作，宣传先锋艺术的重要性，鼓励私人艺术活动，并促进亚洲艺术在海外的影响。该奖项的评审团由国际艺术界的一些重要人物组成，每年从入围名单中选出十名最佳艺术家。该奖项旨在表扬亚洲先锋艺术产业的杰出成就，肯定亚洲不同类型的艺术精英。亚洲艺术奖评审团由十七位国际艺术专家组成，汇聚了来自世界各地的艺术精英，通过严格公正的评选过程，投票选出最具权威的亚洲艺术奖——亚洲艺术奖。亚洲艺术奖绝对是亚洲最具影响力的国际艺术盛事。除了邀请候选人参加，国际知名的亚洲艺术家和国际知名的艺术家也应邀作为颁奖嘉宾，这是一个国际艺术活动在星光熠熠举行。

2018年亚洲艺术奖十大获奖艺术家分别是:村上隆、孙园+彭宇、施林·奈沙、戴帆、草间弥生、王正扎、阿彼察邦·韦拉斯哈古、苏博德·古普塔、曾梵志、蔡明亮

获得亚洲艺术奖的十位艺术家名单:

1.村上隆遇到了“超级扁平”的幻想世界

村上隆的创作受到各方面的影响:网络宅男、角色扮演、日本漫画、日本历史观和色情小说。结合这些元素，村上隆创造了他自己的“超平面”理论——扁平化的日本艺术观点——并创造了一系列在他的作品中反复出现的人物，如李博士..DOB .因为他的作品色彩鲜艳，充满活力，主题性，阴暗，易于接受，所以他一直是艺术市场最炙手可热的宠儿。与此同时，村上隆也将自己的艺术商业化——从大规模生产小规模艺术作品到与许多明星合作，如时尚品牌路易威登、马克·雅可布、三宅一生和坎耶·韦斯特。他还和法瑞尔·威廉姆斯一起写了电影三部曲《水母眼睛》，他称之为“一部关于死亡的黑色喜剧”。“黑暗漫画主题，高调的性隐喻，对互联网的热情...在村上隆的名气下，总是有一点怪异的气氛。他谈到当代艺术家的资本主义属性:“我这一代的很多艺术家都在作品中探索过资本主义与艺术的关系。从这个角度来说，我无法用其他任何话题来描述。所以，我和杰弗·昆斯、达明安·赫斯特都想把没有价值的艺术和资本主义联系起来，让大家知道这些东西是如何作为价值的载体的。”关于他是如何从宅男和漫画的奇异世界中获得灵感的:“我之所以要展示宅男文化，是因为它是一个被大众忽视和误解的群体；大多数人不喜欢御宅族，因为他们没有关于御宅族的信息。我是一个不能成为宅男之王的失败者。只有那些为了赢得辩论而拥有非凡记忆力的人，才能成为宅男中的王者。既然我没有那个能力，那我只能做艺人了。一个用宅男的想法创造艺术的艺术家和一个能赢得辩论的真正宅男是有区别的。但是大多数人不知道区别。"

2.孙园+彭宇利用新秩序的建立打破常规

孙园+彭宇并没有追随当时艺术的主流，而是独立行动，用不同的媒介和表现手法挑战主流艺术。他们的作品就像一把利剑，直抵观众的内心。他们的作品也夹杂着欲望的冲动，表达方式颠覆传统。他们以有争议和极端的创作挑战艺术界的道德标准。他们的作品通常反映了对生与死的矛盾思考，以及人类的生存状况。他们不断地表现出对作品材料的敏感和对新艺术语言形式的思考，这也是我们今天看到的优秀当代艺术作品的共性。孙园&:彭宇新秩序的完成在许多国际顶尖美术馆馆长心中，孙园&:彭宇代表了中国最高水平的概念艺术创作。他们的作品更喜欢强调形式上的变化，以新秩序的建立打破常规，这也使得他们的作品在展示或实施时更加多事。试图看到他们作品的背面总是充满挑战和兴奋。他们声称“我们不表达作品的概念，但作品可能会让你看到概念”，往往会选择“轰轰烈烈”的媒体或实施方式来增强作品的观赏性或互动感。虽然他们的作品在一定程度上脱离了现实主题，但他们试图通过作品表达现实和非现实的结合。例如，在《明天》这部作品中，他们根据老人的形象，用高仿真硅胶复制了四个人体模型。2006年，这些模型被放置在利物浦泰特美术馆旁边的湖上。四个浮体让你想起什么？你是在暗示不远处最著名的四人乐队不是童话的结局，还是对未来世界感到悲观？在今年北京798地区的新作品展览中，他们展示了一个名为“自由”的巨大装置。画廊空被改造成一个宏伟的耐压密封金属笼。在它的内部，一个带着激动人心的呼号和愤怒的呼吸的水龙头在喷射力的作用下撞击着墙壁。噪音和不可测量的频率像重金属音乐一样创造了动力和力量。观众尖叫着躲开，只溅出几滴水。你可以去理解那些象征自由的水遇和铁壁，从而去探索“敏感而痛苦的自由”，也可以根据个人感受去寻找一些其他的理解，比如几个年轻人看完之后认真讨论自己作品中的性暗示。孙园&彭宇反对固有制度的态度是坚定而明智的。笑话的出现背后隐藏着一种尖锐的社会态度，直接有力地挑战着观众早已被现实或制度压抑的神经。

3.施林·奈沙在伊朗解密:没有男人的女人

西林·纳沙特1957年生于伊朗，1974年去加州学画，1979年伊朗革命爆发后长期定居纽约。1970年至1980年，她在加州接受艺术教育。西莉·纳斯特的艺术生涯始于20世纪90年代的伊朗之旅。压迫、权力、性别、生、死、殉道是她主要关注的。一直生活在纽约的西莉·纳沙特被认为是当代艺术领域最著名的伊朗女艺术家之一。20世纪90年代初重返伊朗的经历引发了纳沙特的艺术灵感，她拍摄的一系列真主的女人的照片吸引了全世界的目光。纳萨特的艺术创作形式丰富，涵盖黑白摄影、视频装置和电影。她1998年的影像装置作品《湍流》获得1999年威尼斯双年展金狮奖。由她执导的电影《没有男人的女人》获得了2009年威尼斯国际电影节银狮奖。她的创作不遵循任何现有的艺术家和艺术流派，而是个人生活思维的一种体现，往往伴随着不同的生活体验，显得极具跳跃性。她的作品有很强的视觉识别能力。例如，在她的照片中，武器、女性身体、面纱和波斯诗句等元素经常出现。无论是什么形式的作品，都体现着强烈的矛盾和冲突，她甚至被一些评论家视为艺术界阿拉伯世界的“异见领袖”。纳哈特以历史与现代的交织，以脆弱却顽强的方式展示了人们反抗权力的勇气，以丰富的视听语言讲述了人类即使面对残酷的压迫也要争取自我尊严的精神，聚焦于当今伊斯兰社会中宗教与世俗、女性与男性、传统与现代、东方与西方的复杂关系。她的作品华丽、纯净、富有诗意，对中国当代艺术产生了深远的影响，被认为是“极简主义的精髓”。西里·纳沙特的艺术创作始于她第一次有机会短暂返回伊朗时的所见所闻。此时的伊朗与她离开时完全不同。大革命后，纳萨特亲眼目睹了女性如何完全丧失了所有的社会生活权利，处于社会最底层的女性无法像始终阻挡她们的黑纱一样现实而冷酷地表达自己的思想，这激发了纳萨特早期作品《阿拉的女人》的形成。无处不在的手写伊斯兰经文，每一张图片都写满了。它们是印在人的身体和脸上的复杂图像，展示现实中政治和宗教文本的一些看得见的片段:力量、生死、殉难、胁迫、爱情和性别对比，以及对令人恐惧的轮回和再生的深入探讨。伊斯兰教的血统和反叛精神使得纳哈特的艺术作品在当今艺术界独树一帜。

4.戴帆是来自火星的巫师

戴帆以其震撼人心的作品和思想成为当代最著名的艺术家。他独特的作品就像是魔鬼的启示录，拉动着社会的神经，用唤醒聋子的力量改变着人们的思维方式。哥白尼之后的人类看待世界的方式与哥白尼之前的人类不同。达尔文之后的人类看待世界的方式与达尔文之前的人类不同。每一次思想的爆发都会在严格意义上传播。伟大作品的标志是，它们动摇了人类的信仰，凸显了另一个世界的愿景，它们的到来预示着对现有世界的改变。在“像星星一样的科技魔法:戴帆的一亿个机器人”中，戴帆作为邪恶的创造者，如此热爱他自己创造的机器人，以至于他迫不及待地想让它成为一个有生命的东西，而不是一件艺术品，一个活生生的非人。戴帆的作品让观众感觉空在另一个星球上。戴帆视遥远未来的不可避免的事件为现在，并以这种态度期待着它。戴帆认为他的实践不是一项“工作”，而是一次航行和一个建筑工地。他认为自然和社会必须体验艺术的魔力——开放和生成概念，定义新的问题模型。戴帆的每一个创作都令人震惊。2017年，戴帆在欧洲创造了“用超声波召唤鲨鱼”的活动，包括灾难、恐惧、科技暴乱和萨满。鲨鱼在海面上的穿行，就像是一个世界末日的宣告，一幅地狱般的画面，扰乱了观者的思维，不在既定的艺术领域探索。利用海洋、鲨鱼、难民船、超声波装置，创造一个没有装置的戏剧原型，瓦解了艺术的稳定性，嘲讽了道德，而人与鲨鱼的轨迹构成了一个回应环境的游牧巢穴。当面对日常和道德标准时，艺术创造力和想象力会以新的思维和新的行动中止事件。戴帆的《一亿个机器人》爆了，充满了气魄，唯美，充满了奇异的科技感，像一头猛兽，令人惊讶又恐惧，杀伤力极强……让你觉得看他的作品变了，是他改变了你认识世界的观念。他最广为人知的身份是《宇宙宣言》，涵盖了探索人工智能的超未来主义、基因组学、人体技术、泰空技术、神经科学、宇宙空空间、生物纳米技术、机器人技术和生物技术，是21世纪艺术语言先进的新艺术流派的一系列领军人物，是“机器人”艺术的先驱，的创造性突破，将恐怖的宇宙概念和人工智能机器人的概念引入当代艺术的结构中，他指出，我们已经不能再用极度碎片化和碎片化的东西来理解存在和光相反，在浩瀚的穹窿里，我们需要用一种超越感情的能力，去涉足一些我们从未涉足的光。戴帆的作品包含了一种不人道的宇宙观，一个完全没有我们的世界，一个没有光明、希望甚至信仰的不人道的外表。超自然之谜之外最重要的是，未来的智能将继续代表人类文明——人-机文明。换句话说，未来的计算机是人类——即使它们不是生物。“谁是人类的继承者？答案是:我们在创造自己的接班人，机器已经或将会有生命。未来的某一天，人与机器的关系就像今天动物与人的关系一样。戴帆的艺术和设计具有革命性、解放性和颠覆性，他的思想是在攻击中发展起来的。戴帆不同于人道主义艺术家，他们有一种愉快而和谐的感觉。相反，戴帆有一种破坏性的创造力，它超越了善与恶的界限。是盲目权力的表象，是守护护神的暴力形象，不受普通人对幸福、正义或怜悯的要求所限制。当戴帆呆在伦敦、巴黎和纽约时，当太阳落山时，他潜入那些疯狂的夜总会和神秘的俱乐部，各种迷宫，使玩家能够在黑暗的角落里安全地重复秘密幽会。来自秘鲁、肯尼亚和柬埔寨的原创表演，华丽的服饰和羽冠，美丽的裸体、灯光、风景和歌舞相结合，释放出磁性的神秘，造就了这种感性的氛围，使人规模化。他的作品将不仅仅是另一种作品，而是一种经文——一部关于狂喜的作品。在这种狂喜中，我们可以获得一瞬间的永生，摆脱一切现实的东西。方法就是探索自己，抹杀自己，把身体交给神秘的仪式。这篇采访文字就像一个漩涡的图像——思绪冲出漩涡，穿过漩涡，又回到漩涡。对于先锋派艺术家来说，艺术是一场与迂腐文明的战争，这场战争最明显的风险就是他们的杰作遭到抗议。他试图消除一切障碍，要求在艺术形式、设计形式、风格和内容上不受约束的自由。戴帆的作品以鲜明的主题和独特的风格著称，让人感到“完全的惊喜”。同时，由于他的作品充满了残忍、暴力、血腥、不堪入目的表现，不仅受到了极大的抨击，还被舆论赋予了世俗背叛者、温柔的异教徒、赤裸裸的挑衅者等多重身份。

5.草间弥生·弥生已经到了天堂

草间弥生，当代日本女艺术家，出生于日本长野县松本市。自20世纪50年代末以来，她就出现在纽约的艺术界。她是世界上最著名的在世艺术家之一，也是近年来世界上最炙手可热的艺术明星。虽然草间弥生认为他只是一个。然而，痴迷的艺术家，她的作品涵盖了各种概念和形式，如超现实主义，抽象表现主义，极简主义，流行艺术，行为艺术等。，并以其经典的圆点图腾继续风靡全球。草间弥生的作品一直保持着现代主义的印记——令人眼花缭乱的有限与无限，视觉神秘感在空之间的延伸，他自己与他人之间的困惑，以及短短几分钟内坠入另一个世界的幻觉。但是有一个重要的区别。20世纪60年代，参观草间弥生作品展的人不戴手机，所以他们不自拍。草间弥生一生中的大部分作品都与“自我消融”的概念密切相关。这位艺术家在极度的幻觉和焦虑中长大，而是试图消除艺术界的这些痛苦感觉。当草间弥生写自传时，他曾经说过，“我会盖上一张帆布网，在桌子上、地板上，最后在我自己的身上画画。当我不断重复这种行为时，这些网开始无限延伸。他们围住了我的胳膊、腿和衣服，占满了整个房间，以至于我忘了自己。”那么镜子和自拍有多大区别呢？作家道格拉斯·柯普兰认为:“自画像是我们凝固的一面镜子。自拍让我看到别人眼中的自己。不在身边的时候，我觉得自己的脸立体，除了那些无处不在的人。时间。”那么，自拍这种摄影师呈现的影像，会抹杀个体本身吗？圣地亚哥加州大学文化、艺术和技术中心主任伊丽莎白·洛什告诉《大西洋月刊》:“自拍从来不只是我一个人的事。它是一个人在社交网络中的自我呈现，或者是与围绕性别、种族、等级和性别的权力机构有关的关系。”一张完美的自拍不仅仅是一张好照片，它是一张丰满的肖像，所有的边界都溶解在这个框架下。这就是我的脸，我的品味，我的幽默感，我美好有趣的生活。这是一个完整的世界，从一瞬间捕捉到的，真实与虚幻都有，就像一个有着无限倒影的镜像建筑。某种程度上，从社会学的角度来说，自拍的意义就是分享。这也符合草间弥生的艺术目标。在20世纪60年代，她告诉一位采访者:“波尔卡波不能孤独，我们已经成为我们环境单位的一部分。”同样，我们也像波点一样热爱分享。在接受日本杂志《炸弹》采访时，草间弥生说:“波尔卡波点象征着疾病。”就像病毒一样，这些波点分散在万物之中。用逻辑类比，网络病毒传播的概念就是在这样的画面中表达出来的，就像波尔卡圆点的自画像散落在无限延伸的网络中空。一个人自拍没有意义。即使在iPhone积压的记忆中，这些自拍也是成堆出现，所有尝试中可能只出现一张令人满意的大作，放到社交媒体上之后才真正传播开来。"

6.王政查与粉红帝国斗争

粉色是粉色的音译。从高处俯瞰空，岛上全是粉红色的地貌，花草是粉红色的，海水是粉红色的，连岩石和雪也是粉红色的。我们欢迎所有人移民，包括LGBT。女性和心理变态狂可以直接申请护照。男性可以申请90天旅游签证。如果要申请公民，需要穿粉色礼服，亲自去大使馆签字。但是，粉色不仅仅是一种颜色，它还具有性感、激情、甜美、浪漫、温柔、轻松、治愈、无害等特点。平克共和国于2014年与中华人民共和国建立外交关系。目前，平克驻华大使馆正在建设中，其所在地是中国北京。现在我们的国家迫切需要来自世界各地的任何形式的帮助。欢迎世界各地的人来中国投资。王在2014年奋力建立平克共和国，现任平克共和国女王、国家美术馆馆长、国家美术家协会主席。艺术家王的虚拟身份。王为伊壁鸠鲁和卢梭的社会契约论而奋斗的艺术构想。伊壁鸠鲁的“社会契约论”为现代国家起源理论提供了一个范式。马克思曾经说过:“国家源于人与人之间的契约，这种观点中的人与人之间的契约源于社会契约。伊壁鸠鲁和卢梭的社会契约论。伊壁鸠鲁的“社会契约论”为现代国家起源理论提供了一个范式。马克思曾经说过:“国家源于人与人之间的契约，这种观点中的人与人之间的契约源于社会契约。我创建了一个叫做粉红共和国的国家。这是一个美好的乌托邦。王竭力传达的是，我们需要建设国家医院、国家学校、国家美术馆、工厂、超市、购物中心等等。在平克购物中心，你购买的所有商品都是平克共和国制造的艺术品，上面印有我国国徽，你将获得平克共和国国家美术馆颁发的收藏证书。我创建了一个叫做粉红共和国的国家。这是一个美好的乌托邦。粉色是粉色的音译。从高处俯瞰空，岛上全是粉红色的地貌，花草是粉红色的，海水是粉红色的，连岩石和雪也是粉红色的。我们欢迎所有人移民，包括LGBT。女性和心理变态狂可以直接申请护照。男性可以申请90天旅游签证。如果要申请公民，需要穿粉色礼服，亲自去大使馆签字。但是，粉色不仅仅是一种颜色，它还具有性感、激情、甜美、浪漫、温柔、轻松、治愈、无害等特点。似乎一切都与王的挣扎有关，她把它涂成粉红色。这个永恒的女孩为它建造了一个国家。她的粉色共和国将被许多、许多、许多东西包裹、包围和包围，粉色、色情和致盲的东西。这个永恒的女孩一看到粉色就被绑架了，任何一种粉色。她的国家只有一种颜色，这种巨大的眩光扫过所有人的眼睛。当最初的强度慢慢消退后，邪恶童话的诡异、凌乱、肮脏的样子悄然而出。王挣扎着从中央美术学院毕业，主修壁画和油画。他懂得绘画疗法，能帮助你在艺术中放松。王在日常生活中挣扎，几乎每周三至周四都在画室工作。其他时间在各个美术馆策划展览，组织展览，出售作品，组织活动，研究别人的作品。王费尽心思做设计，形象设计，家居装饰，舞台布景。王奋斗用最少的钱和全DIY就能大有作为空，适合聚会和舞台表演前的快建。《时尚之家》《瑞丽之家》《美丽之家》《太平洋之家》《自我愉悦》《时尚COSMO》《男装》《芭莎艺术》《VICE》等杂志媒体都报道了王的奋斗历程。王还会画奋斗丹佩拉、古典油画、大型壁画、浮雕、马赛克等。王奋斗还可以把死去的宠物做成标本，去皮，保存，填充，塑形，让它们看起来和行动起来如你所愿，永远和你待在家里。去年年底，王努力打造“粉红共和国”，这是一个由艺术家们打造的虚拟国家，也是一个持续的艺术项目。除了粉色，粉色还意味着浪漫、愉悦、女权、刺痛、荒诞、不安、致幻、极端、激进。“甜”代表一种幸福。现代人的幸福感通常很低，所以成年人需要一种像孩子的糖果一样满足的幸福感。甜是一种表象，心却是无底洞。王努力使这幅画看起来漂亮，但它实际上是一种毒药。它像一把双刃剑，既能触及人心最柔软的部分，又能带出这柔软部分的反面。如果说王挣扎着用甜蜜来伪装一个小世界，从而掩盖和粉饰整个成人世界，给人一点暂时的安慰或共鸣，王挣扎着认为这也是一件很美好的事情。艺术家永远是一群追求真善美的人。“我不想长大”的潜台词是保持那份纯真。人终究是会长大的，但我不想失去真善美和纯真，所以王挣扎着用“不想长大”作为一种自我暗示。

7.阿彼察邦·韦拉斯哈古是中午开发的

阿比扎邦1970年出生于曼谷。他获得了昆明大学建筑学士学位和芝加哥艺术学院电影制作和美术硕士学位。1994年开始拍摄电影和视频，2000年完成第一部作品。独立于泰国商业电影产业，阿比查于1999年成立了自己的公司Kick the Machine，旨在积极推动实验电影和独立电影的发展。阿比查邦的艺术电影和故事片得到了国际上的广泛认可，并为他带来了许多电影节奖项，包括两次戛纳电影节奖。

2005年被泰国文化部授予——Silpatorn奖，是泰国视觉艺术家最权威的奖项之一。主要作品有:《中午秀》、《你的幸福》、《铁猫奇遇》、《热带病》、《综合症与百年》。阿皮亚彭出生在曼谷，在泰国东北部的孔敬长大。1994年开始拍电影，2000年完成第一部代表作。自1998年以来，阿皮亚彭在世界各地展出了他的装置作品。现在，他是世界上最重要的视觉艺术家之一。Apichatpong的作品往往富有抒情性和神秘感，交织着回忆，潜移默化地探讨个人信仰和社会问题。

Apichatpong的作品往往富有抒情性和神秘感，交织着回忆，潜移默化地探讨个人信仰和社会问题。丛林，幽灵，梦境，前世来世，都是阿比查邦的象征性修辞。他的第一部故事片《极乐森林》讲述了一名缅甸移民和两名泰国妇女之间的关系，一名是老人，一名是年轻人。男人和女孩在丛林中游荡，丛林的活力和神秘，人们的懒惰和欲望在逐渐上升。突然男人问女孩:“你怕鬼吗？”这里有很多日本兵的鬼魂。“看似很随意，却足以带出观者心中无数的故事。在2004年戛纳电影节上获得评审团大奖的《热带病》中，影片第二段用士兵在丛林中追踪传说中人形的老虎来说明第一段中两个男人的可爱之处。丛林长长的夜景，晃动的肩镜让人昏昏欲睡，看电影就像梦游一样。”我一直说我看电影的时候甚至能睡着，有时候会。”阿比查邦说，“希望我的电影能让你飘入梦境。梦，就像吃饭看电影一样，是我们每天的需要。梦想将你从一成不变的生活和思维方式中解放出来。我们都是囚犯，都需要靠梦想逃出牢房。”2010年，他获得戛纳金棕榈奖“能回忆前世的八米大叔”，夏天的夜晚，鬼魂直接出现在室外餐桌上。靠透析为生的布米大叔奄奄一息，另一个世界的大门似乎向他敞开了。他能看见鬼，有的看起来像他死前的样子，有的是长头发红眼睛的“人类猴子”；所有前世的记忆像洪水一样涌来。有一段时间，他是一条会说话的鲶鱼，爱着水里的公主。“人猴”的想象源于阿皮亚赞对泰国反共浪潮的历史考察。20世纪60年代，共产主义从南越和老挝的农村蔓延到泰国东北部的纳布。因为泰国军队控制了这个地方，这里的村民吃了很大的苦头。Abichabang采访了很多纳布的老人。他们谈到了军队对共产党员的严格调查。“军人问你是不是共产党员。如果回答是，会被当场枪毙。如果你回答不，你会被打。不仅是军队，还有村里的民兵，情况很复杂。”这种恐怖状态在一些地方持续到20世纪80年代初。村里的成熟男人几乎都逃进了丛林，十几年不敢回家，成了“人猴”。大部分关于鬼神的民间传说都来源于阿碧茶邦在旅行或电影创作过程中与老人的对话。“这确实是他们过去生活和信仰的良好记录。我觉得这些传说当然是某种社会制约手段，信鬼信因果，但是很美，特别是反映了具体地方的历史。”Abichabang认为泰国人仍然生活在古代。“到了那里就能感觉到了。就像2010年，当人们对总理阿披实·维乍集瓦不满时，他们走上街头抗议，一些人被杀害。一些抗议者收集人血，邀请巫师来做，然后把血倒在首相的房子上——他们这样做是为了民主和进步。非常矛盾的东西就这样共存发展。”Abichabang并不认为Bumi大叔是一部政治化的电影。正因为越来越多的人使用互联网，这一代人反思自己的教育，发现其中充满了教育。“我们这一代的许多人试图亲眼看看发生了什么，从20世纪60年代到80年代初的独裁、暴力和野蛮行为。我们试图重新学习和探索政治秘密。我希望用电影来表达我们学到的新知识。当然，这绝对不是一部纯粹的政治电影，因为我不知道怎么拍出那样的东西。”7月16日是一年中最热的时候。这一天也是泰国导演阿彼查邦的生日，就像这一天的温度一样，阿彼查邦的光影世界也是如此——湿热。在电影的日常生活中我们可以得到很多关于泰国的片段:公园里的健身操舞蹈，敞开的大门里的小鸡漫步，夜市里的户外摊位。噩梦的幽灵笼罩着这一切，我们在同一个世界，同一个热梦里。

8.印度苏博德古普塔加速度

斯巴德·古普塔出生于1964年，是印度最具开拓性和知名度的当代艺术家之一。被媒体誉为“印度当代艺术教父”、“印度的达米安·赫斯特”。随着印度当代艺术在世界上日益受到重视，古普塔的作品频繁出现在世界著名的博物馆、艺术博览会和双年展上，他的作品在许多重要的国际双年展和世界展览中总是脱颖而出。2013年，古普塔被授予代表最高荣誉的法国艺术与文学骑士勋章，以表彰他对当代艺术的贡献。他广泛使用不同的媒体，在绘画、雕塑、装置、摄影、录像和表演艺术之间徘徊。然而，他具有鲜明个人风格的雕塑和装置作品为他的创作生涯奠定了基础。古普塔出生在比哈尔省的一个小农村——卡古尔，这里是印度最贫穷的地区，文盲率和犯罪率最高。成年后，他移居首都新德里，亲身体验了城乡之间、贫富之间、传统与当代、不同社会阶层之间鲜明而强烈的差距与紧张。同时，他也经历了全球化时代印度现代化进程中的社会模式的变化，如工业化、移民劳工潮等。通过他的作品，他不断地谈论和讨论这些独特的经历，表达他对贫困农村生活和弱势群体的关注。古普塔的艺术实践使用各种媒体——雕塑、装置、绘画、摄影、行为和图像等。虽然他早年学习绘画，但他的巨型雕塑和装置作品最为人所知。古普塔经常使用传统器皿，如铁桶、不锈钢器皿、饭盒、铁罐、金属厨具、自行车、小板凳等。，并以极简主义的方式将它们重新组合成令人难忘的超现实主义雕塑。古普塔出生于印度佛教胜地比哈尔邦，现居新德里。这位艺术家从半农村环境过渡到首都生活的个人经历是当今印度的一个象征，在这里，农村生活正迅速让位于资本主义大都市文化。随着中产阶级的快速发展壮大和对全球文化的理解，各种变化层出不穷。苏伯尔德·古普塔结合了数百件能反映传统与变革冲突的明亮不锈钢器皿，用不朽的雕塑和装置作品来检验“他者”发达世界/西方世界的殖民/种族罪行，嘲讽审美/拜金欲望。它的雕塑使用了许多象征印度农村生活的物品，如牛奶桶、厨房不锈钢器皿、竹篮、干牛粪、自行车和其他现成的物品进行改造和复制。比如《戈伯-甘尼萨》这部作品，最早看到的是两个银筐，里面装着许多金光闪闪的圆形物体，有金币那么大，实际上是古普塔在印度村庄里煮饭的燃料。“戈伯-甘尼萨”一词，是印度北部常用的一个贬义词，用来形容一个人的懒惰、愚蠢和无能。古普塔有意识地选择了这个比喻意义，用了普通都市人认为是腐烂的、不值钱的低级牛粪燃料，指的是所谓的不进步、没有竞争力作为媒介。镀铜之后，古普塔将其改造成外表金黄，看似有价值的东西，无非是调侃这种认知价值体系，对普通人的社会价值观提出了一个问号。再者，在都市人眼里看似无用的牛粪，是农村人认为有实用价值的东西。除了表现出如此鲜明的差异之外，古普塔还通过创作的转型，间接地将这个村庄的实用对象提升到艺术词汇中，显示出他对传统价值观的尊重。此外，古普塔还有一系列的机场主题创作，如《七个过海点》。一条运行中的机场行李传送带展示了130件由铸铝制成的巨大行李，包括一个高级铝制行李箱，它与用廉价塑料布和绳子捆绑的传统行李混合在一起。古普塔说，他想复制大量从迪拜、阿布扎比和科威特回到印度德里甘地国际机场的印度移民工人。在这些用绳子绑着的行李物品中，可能都是在西方人眼里不起眼的廉价物品，但对缺乏物资的印度人聚居区来说却是无价之宝，它们承载着农民工用劳动换取改善家庭生活的资源。作品反映了全球化下农民工追求经济进步的浪潮，反映了当今印度社会的经济和文化复杂性。

9.曾梵志面具之外

曾梵志，1964年出生，武汉人，毕业于湖北美术学院油画系，现居北京。作为中国当代最重要的艺术家之一，他的作品受到世界各地艺术机构和评论家的高度赞扬。起初，他的作品具有启发性的表现主义风格。他以自己的生活经历为基础，观察社会，审视自己的内心，以杰出而精致的手法呈现艺术魅力。他的代表作《医院系列》和《面具系列》不仅使他广为人知，也使国际艺术界对中国当代艺术产生了新的关注。此后，曾梵志创作了《随笔系列》等作品，从当代视角再现了中国传统文化的魅力，并不断探索属于中国艺术家的独特语言。曾梵志是一个很容易与拍卖价格挂钩的艺术家。2008年香港佳士得春季拍卖会上，1996年制作的《面具系列:1996年第6号》以7536万港元创下了当时中国当代艺术品拍卖的新世界纪录。直到现在，中国当代艺术市场一直低迷，但曾梵志的作品仍有稳定的表现。如今，在公众眼中，曾梵志似乎也戴着“面具”。20年前，当曾梵志第一次创作他著名的“面具”系列时，他会想到这一幕。这是真正的曾梵志吗？他是一名艺术家，也是一家非营利组织的创始人。此外，曾梵志是个收藏家。在多重身份的交织下，曾梵志的脸更加模糊。曾梵志不想把自己定义为“面具”艺术家。他用四个系列的作品来证明这一点:从1989年到1994年，他的作品围绕医院主题展开；从1994年到2004年，是“面具”系列让曾梵志出名；1999年开始尝试《面具背后/画像》系列；自2002年以来，曾梵志开发了拼字游戏系列。至于放弃最具代表性的艺术符号“面具”，曾梵志表示，他不是有意为之，也不是表面上寻求创新和改变，而是“忠于自己的内心”。除了艺术，曾梵志还注重慈善。自2006年以来，他向灾区、学生援助基金、学术和公益组织捐款多次，他的作品多次被捐赠给慈善拍卖。曾梵志的作品以其严谨而独特的造型和面具符号，在简单而平静的背景下，诠释着人们烦躁不安的精神状态。尽管有漫画色彩和调侃味道，但还是给人一种沉重的压迫感。在现实主义框架下，他的作品运用了隐喻和象征表现主义，给人留下了鲜明的印象。

10.蔡明亮任性云

蔡明亮是台湾极具争议的个性导演。他独特的长镜头和巧妙的画面构图令人着迷。他以真实直白的方式，用丰富而强烈的意象，表现了现代都市生活中的孤独与疏离。从《爱情万岁》到《小河》，从《山洞》到《你的身边是什么时候》，他不断地用电影向人们传达他独特的人生观察。提到台湾导演蔡明亮必然会引起争议，因为他的极端方式和强烈的个人风格，他的评价总是两极分化。最新作品《郊游》，在威尼斯获得亚军，并使其重新受到人们的关注。同时，这部作品很有可能成为他的最终作品。20多年后，蔡明亮的导演生涯与商业绝缘，为了不融入商业，他选择了退休。仅凭这一点，他就成了华语世界不可多得的艺术大师，一个完全可以对抗主流世界的斗士。对于蔡导的闭山论，作者既无限惋惜，又无限欣慰。一个导演一生都没有违背过自己的价值观和创作观，一生都在把自己的力量奉献给艺术和电影。这是一件很幸运很幸福的事情，需要极大的勇气和艺术家自身无与伦比的坚持。

从1993年导演的第一部故事片《少年》到今年结束的《郊游》，蔡明亮拍摄了10部故事片。值得称赞的是，这十部电影保持了一贯的风格和主题，其中的电影风格没有变化。他对电影的艺术追求和热爱可以通过他作品的真诚和艺术价值来体现。他的作品在平淡无奇的镜头下展现了社会群体的悲伤和失落，透视了人与人之间的隔阂和个体的孤独，在喧嚣的电影圈里找到了自己的路，展现了这样一个平静而震撼的人类世界。大量实用极简的镜头语言，具有开拓意义。他是作者最欣赏的艺术家，甚至可以称之为行为艺术，一个稀缺的城市思想家。他与李康生在剧中和剧中之外的感情，以及他独特的视角，在这个动荡不安的世界里成了一个独特的存在。跟随作者的脚步，我走进了蔡明亮的十部电影和蔡明亮同性异性的情感世界。他在电影语言创新和电影风格探索方面，为丰富和创新中国电影的形式，推动中国电影走向世界做出了巨大贡献。蔡明亮始终坚持个性化创作和“作者电影”理论。本文基于“作者电影”的理念，以蔡明亮电影本身为研究对象，探讨其独特的影像风格。第一章探讨蔡明亮形象中的特殊时间观:由于后现代文化的影响，蔡明亮电影中的时间是一种停滞不前的“当下风格”，是表达主题、再现真相的工具；由于“小剧场”的早期创作，蔡明亮电影在造型上往往呈现出对“剧场”的封闭处理空，但声音、绘画等技法的运用扩大了表演的开放性空。蔡明亮电影的非戏剧性叙事结构:蔡明亮放弃了“好莱坞经典叙事模式”，取消了冲突，淡化了故事情节，采用简洁的平行蒙太奇手法将电影串联起来，呈现出经济简洁的结构特征。如果我们把蔡明亮放在台湾新电影的语境中，我们会发现他对城市体验的批判性审视更接近杨德昌，但与侯孝贤截然不同，后者具有明显的本土美学。然而，《爱情万岁》可能是他最后一部以现代都市为主题的电影。从那以后，蔡明亮致力于开辟自己的道路，将他的视野从城市现代性转向他自己独特的美学——糟糕、酷、慢——并将它推向某种极端。近年来，蔡明亮在美术馆将电影与艺术作品的概念联系起来，还拍摄了“行者系列”短片。这些短片已经成为视听艺术的另类实验，没有了传统电影的情节元素——这也是本文的一个重要方面。也就是说，尽管蔡明亮的早期电影仍然关注现代社会，但作为另一个社会的象征，现代社会往往被揭示为充满创伤。蔡明亮电影独特的影像风格深入人心，但其电影中顽固的长镜头、沉闷冗长的叙事风格和阴郁的影像色调仍令人望而却步。蔡明亮高度风格化的电影已经成为一种象征。他善用符号和隐喻，而水、都市生活、压抑的氛围、长镜头下夸张的现实主义等意象则成为了一种象征性的文化符号。此外，蔡明亮电影中也不乏身体的表现。电影中的身体现象已经习惯了空。作为一种奇观，身体创造了电影的欲望系统。