陶艺作品赏析 | "大道成器——国际当代陶艺作品展"部分作品（上）

69位国内外有影响力的陶瓷艺术家应邀在“大道艺术展”上展出了83件中外优秀陶瓷艺术作品。展览按照“一体化”延伸；见微知著；意象外的韵脚；“聚散”四个单元展示各自的代表作品和新创作作品，并置不同形态、不同概念、不同制作手法的作品，展示与人类文明发生发展密切相关的技艺——陶瓷，在当代文化格局中放射出独特的光彩。

今天给大家带来十位陶艺家展出的作品赏析，希望通过对这些作品的解读，让我们更好的欣赏这些作品。

宗美再造系列锥形2015(日本)

这种独特的崇神崇美风格源于他的作品在运输过程中的破损体验。粘合修复后的痕迹和过程激发了他的灵感。“破”与“立”的过程，打破了完整物体带来的审美惯性，延伸了他对陶瓷材料的脆弱与灵性的独特理解，改变了他对结构与实用性的认知。痕迹和缝线升华到珍惜事物与历史和情感之间的空空间，诞生了一系列像纪念碑一样的两米大、像勺形书桌装置一样小的陶器作品，在世界陶瓷艺术界引起了广泛关注。他的作品经过长时间的手工造型后被烧断，按照预先的设计在不同气氛的窑中烧制，使原本完整的物品经过重组后像“凤凰涅槃”一样再生，而不同烧制和气氛下的陶器碎片所拥有的色彩和表情被作者小心翼翼地放置在完整的形状下，形成了丰富的视觉系统。在填补空白的同时，有意保存和强化的修复感成为了敬神崇美作品的独特灵魂，传达了作者的深刻含义，也使得一种考古发掘的修复技术成为风格和精神诉求的主体。

季申宗美，1944年生于日本京都府。1967年毕业于东京农业大学农学系，后转行陶艺，追随日本现代陶艺已故旗手、著名陶艺家八木和夫为弟子。1986-1989年获现代陶艺八木女士奖；1991年，获第47届法恩扎国际陶瓷展金奖；1999年，获第五届国际陶瓷展览会美浓铜奖；2000年NHKBS2《访陶瓷》由神宗美《碎片孕育生命》播出。他的作品被日本、欧洲、美国和中国的许多博物馆收藏。

杰米·克拉克(美国)2003赛季

杰米的作品采用了印第安人常用的最原始的造型方法——揉捏，在一团泥的中心开一个洞，用手从里向外扩张，使之可以延伸成一个容器。杰米喜欢在这样漫长的原始劳动中耐心地感受物质湿度的变化和延伸方向。他认为每一团泥巴都应该有独特的外观，揉捏的缓慢和重复正是杰米与泥巴沟通的方式。作品口缘的浪漫弧线，让原本简单的形态变得轻盈、细腻，有一种上升的仪式感。每一片都符合某一种鸟的独特姿势，在底座上刻意营造出一种虚拟空的感觉，形成飞翔的趋势，使容器的口部具有方向性。表面呈现出独特的外观。金属色产生的折射，烟雾产生的内向，打磨产生的细微光晕，仿佛都罩上了一层岁月的从容与尊严。

杰米是费城陶瓷工作室的执行董事。他掌管新泽西彼得谷手工艺中心已经16年了。规划和主办许多展览，包括1992年当代东欧陶瓷展、1995年以色列陶瓷展和1998年波多黎各陶瓷展。1999年任《陶瓷月刊》国际竞赛评委会美国代表。杰米·克拉克(Jamie Clark)是一位公认的陶瓷艺术家，他在《陶器月刊》、《陶器工人》、《美国工艺》和许多外国杂志上发表了许多文章。他在中国、德国、库拉索岛、瑞士、加拿大、波多黎各、安圭拉和美国其他地方展出作品并举办讲座。

史蒂文·亨曼(加拿大)2003年黑土地

海恩门是加拿大著名的陶艺家，他通过印刷空白和灌浆，创造了具有鲜明个人风格的椭圆形容器。虽然还是雕塑的一种，但它远远超出了传统器物的审美范畴，表现出数量感与抽象雕塑一样空之间的表达关系。他的作品之所以经常成为亚洲艺术家提及的话题，正是因为对“空”这种形式的理解。与传统容器制作中反复考虑外部线型的美感不同，海恩门始终注重内外虚、实线型以及空之间形式的综合表达，在虚空形式的边缘给出一个薄而实的外壳，表现出反复使用不同收缩率导致的化妆品土、釉层剥落的丰富效果，使质感类似于龟裂的泥土，与眼睛、指纹、树枝等符号相匹配。这些在作品中经常出现的现象，引发了对自然、星星空和心理的一些具体而不确定的深刻暗示。海恩门的作品也是轻、高超、惊艳，与巨大的体积不相称。

史蒂文·海恩门(加拿大)莱达尔的爱情2017

海恩门1957年出生于多伦多。他于1983年毕业于阿尔弗雷德大学，并在加拿大和美国的许多大学任教。自1982年安大略省工艺美术委员会举办第一个个展以来，已在加拿大、美国和欧洲举办了30多个个展。他的作品被维多利亚和阿尔伯特博物馆、波士顿艺术博物馆、纽约艺术和设计博物馆、鹿特丹博·耶曼斯博物馆和许多其他机构收藏。主要奖项有:加拿大国家陶瓷双年展优秀奖(1988、1994)、加拿大当代工艺美术最高成就奖布卢姆奖(1996)、韩国世界陶瓷双年展特别奖(2004)。

苏珊·史蒂文森(美国)西藏通道2001

苏珊在美国的大湖区长大。特殊的自然风光使她在童年时对海洋和宇宙产生了浓厚的兴趣。她的作品更多的是运用油画颜料一样的原始厚釉色，是她自己准备和发明的，让五彩缤纷的色彩有一种平静而迷人的深度感。釉料不再被稀释，平放在作品的表面，而是变成一种类似地貌的可塑造的、多彩的、有凝聚力的颜色。这样的起伏和立体感，形成了波浪在岩石上汹涌澎湃的不可预测的生命力。看似自由的造型成为了礁岛和海浪的内容，导致了宏大而开放的审美联想。苏珊的作品大多是具有强烈体积感的容器状雕塑。凭借装修形成的独特速度感和力量感，充满激情、速度和动感的风景凝固成永恒。

苏珊·史蒂文森(美国)摇滚之花2004

苏珊出生于1957年，毕业于卡内基梅隆大学，获得文学学士学位。1960年，她毕业于虎林布鲁克艺术学院，获文学硕士学位。1960年，他在密歇根大学安阿伯分校任教；从1963年到1991年，他在东密歇根大学任教(自1991年起为名誉教授)。2007年获费城“泥塑景观”陶瓷工作者奖；2008年获韦恩州立大学“密歇根陶瓷奖2008”；2012年，她获得“最具影响力的当代泥塑人”奖和“20年的坚持:在土壤中劳作的女性”荣誉。他的作品曾获洛杉矶美术馆、卡内基美术馆、布拉格装饰美术馆、维多利亚& amp；由阿尔伯特博物馆、布鲁克美术馆、夏洛特艺术设计薄荷博物馆、加德纳陶瓷博物馆、陶瓷博物馆、陕西阜平、中国、景德镇、瑞士等机构收藏。

韩美林(中国)青瓷2012

韩美林，1936年生于山东济南。1955年考入中央美术学院(后转入中央工艺美术学院)。现任全国政协常委、清华大学教授、清华大学学术委员会副主任、中国美术学院研究生院博士生导师。

韩美林是当代中国在世界上有广泛影响的艺术家。他的公示语和福娃世界闻名。他为中国艺术和民间艺术的当代转型做出了巨大贡献，其作品所传达的人性深处美的共性被联合国教科文组织授予“和平艺术家”荣誉称号。近年来，世界各地举办了大量展览，以个人的方式将今天的中国艺术带到了世界各地。陶瓷艺术是韩美林几十年创作过程中的重要范畴之一。他的作品源于中国古代的青铜器、陶器、岩画和民间艺术，但又创造性地融合了他个人的诗意、浪漫情怀和优雅想象，将这些古老的元素加以改造和转化，形成了鲜明而独特的汉风格。特别是在钧窑、青瓷、紫砂的当代转型中，确立了独具特色的韩美林风格和模式。展览作品是他的青瓷杰作，造型简约。他对线条微妙变化的细腻把握和独特的隐喻在容器作品中得到传达，给我们呈现出一种既抽象又写意、迷人的新颖人体形态。

艾伦·埃塞尔(挪威)保龄球1993

埃塞克斯不仅在西方很有名，在中国也很有影响力。在热衷于在世界陶艺界宣传的表现主义和奇异艺术的浪潮中，他继续以理性的方式创造精致优雅的容器造型，在容器装饰个人词汇的建立上有许多值得中国艺术家学习的方法。他的作品虽然是容器，但无论是造型设计，还是装饰手法，都与传统大相径庭。你不会在形式上感受到过去传统的审美束缚。他用漆和胶水通过绘画和拼贴在坯体上创作，然后用海绵擦洗，形成坯体的轻微凹凸。素烧后，涂上陶瓷水性颜料，最后上釉，高温烧制。他的作品色彩变化复杂丰富，光影结构独特，诗意地表达了瓷器的敏感、高贵、绘画感和理性秩序。这种特殊的手法和方法对80年代的中国高校艺术家并没有太大的影响。

艾斯1940年出生在挪威的高卢。1966年至1972年，在奥斯陆国家美术学院担任兼职教师；1969年至1978年，他在奥斯陆国家美术学院担任讲师；1978年至1986年，任奥斯陆国家美术学院副教授；1986年至1987年，任卑尔根美术学院教授；1987年至1999年，任奥斯陆国家美术学院教授；从1999年到2010年，他是奥斯陆国家美术学院的教授。Aarne Esser对陶瓷成型工艺和颜料有着深入的研究，藏品被挪威Seinfeld Eulanane学院美术馆、日本岐阜现代陶瓷美术馆、维多利亚&阿尔伯特博物馆、纽约艾弗森美术馆等多家国家美术馆收藏。

李政文(中国)胡艺2017

李政文是中国早期实践现代陶艺的艺术家之一。他的作品在20世纪80年代的中国具有一定的引领作用，引导着湖北年轻一代探索现代陶瓷艺术。在早期的艺术创作中，李政文试图摆脱日用容器的束缚，表达他对粘土和陶瓷材料的理解。他的代表作《鳜鱼系列》将传统绘画中的水墨意象转化为陶瓷，手法轻松，意象写意。他没有将水墨技法硬生生嫁接到另一种材料中，而是在陶瓷材料独特的语言中找到了一种与水墨气质和内涵相对应的方式，符合东方色彩的审美趣味。李政文选择了传统中经常出现的图像来创作，这使得古代材料具有了当代性。

李政文(中国)机器鱼2011

李政文1942年出生于湖北武汉。1966年毕业于中央美术学院雕塑系；1973年起在湖北美术学院雕塑系任教。曾任湖北美术学院陶瓷研究所所长、教授、硕士生导师，湖北省美术家协会雕塑艺术委员会主任，第一届中国美术家协会陶瓷艺术委员会委员，第一届中国陶瓷大师评审委员，中国陶瓷工业协会理事。2013年获陶瓷终身成就奖。他是《卷》和空《垂死的文明》的作者。作品被香港美术馆、文化部、中国美术馆、湖北美术馆、华北理工大学美术馆、湖北工艺美术学院、武汉美术馆收藏。

吕品昌(中国)金砖四国2016年第2-1名

吕品昌是中国早期从事现代陶艺的艺术家，受到艺术界的广泛关注。他的作品以各种形式被发掘出来。从初期开始，运用泥卷、揉捏、嵌套等手法，为符合传统雕塑标准的作品注入新的活力；注意材质本身的质感和质感，从损伤中找到可以表达的倾向；之后，的作品以观念艺术和装置艺术的思维方式切入陶瓷艺术创作，展现了不同时代对材料的不同理解和探索，作品的出现是从早期的阿福和中国文人，到采用金属与陶瓷相结合的泰//k0/]方案，再到最近的成品和个人形象被放入景观雕塑形成的复杂陶瓷语言中，传达现场的视觉表达。

吕品昌1962年出生于江西上饶。1982年毕业于景德镇陶瓷学院美术系，1983年就读于中国美术学院雕塑系，1988年获得硕士学位。现任中央美术学院雕塑学院副院长、雕塑系主任、教授、博士生导师、中国城市雕塑协会副主席、中国美术家协会雕塑艺术委员会副主任兼秘书长。自1992年起，享受国务院“政府专家津贴”，是国际陶艺协会(IAC)会员。

伊洛娜·洛雷姆(拉脱维亚)于2017年晋升(女王)

伊洛娜出生在一个艺术之家。他的父亲是珠宝商，他的哥哥是雕刻家。他很早就开始学雕刻。瓷土在她手中，显示出无以复加的精致，雕刻出细致的人物和动物。在一定程度上，对粘土这种会由软变硬，可控因素极其有限的凝胶状物质，几乎是完美掌握，表现出对细瓷土的高度把握天赋。为了呈现这种精致的语言，在翻模灌浆的过程中，对石膏的要求也很高，这样雕刻出来的原型才能与作品的精度相匹配。她的作品荒诞不经，充满暗示，每一个都仿佛在描述一个揭示人性的寓言。伊洛娜的艺术是“欲望”的装饰，但这些作品不会因为情欲而陷入华而不实。相反，在她的作品中，我们可以看到“情与欲”、“神与人”的严肃、陌生和距离，可以看到她在喃喃自语“精致的灵魂”。

伊洛娜1962年出生于拉脱维亚的里加。1980-1985年在拉脱维亚艺术学院陶艺系学习，艺术硕士毕业，1999-2002年任联合国教科文组织国际陶瓷学会全国委员会董事会成员；2001年成为瑞士日内瓦国际陶瓷学会会员；国际陶瓷学会会长。1979年开始在拉脱维亚里加陶艺工作室工作，之后在美国、加拿大、芬兰、匈牙利、澳大利亚、土耳其、以色列和中国的艺术学校、大学和艺术中心担任客座教师和工作室负责人，获得多项国际艺术奖项。

耿雪(中国)颜瑜2017

耿雪凭借他对奇异小说的独特理解，从女性的角度，使一种灵异现象得以显现。荒诞和陌陌有一种温情，却被置于旁观者的视角。她试图用一种新的媒介来表达瓷器——用动画短片来复活瓷器雕塑。这种“活”不仅仅意味着“活动”，更是一种强调新活力的创作方式。瓷玉光、流光、膜光的结合，形成了电影特有的“光语”，是其他几个元素中的精神。瓷器和雕塑在镜头的捕捉下变得极其精致和敏感，传达出一种比人的视觉更主观的表达方式/[/k0/】。这种人为设定的“瓷器视觉”准确而充分地展现了瓷器材料脆弱而优美的审美品质。新技术、新媒体的引入，充分展示了耿雪驾驭各种素材的才华和能力，作品令人印象深刻。

耿雪(中国)语言之眼(部分)2017

耿雪2007年毕业于中央美术学院雕塑系，获学士学位；2014年毕业于中央美术学院版画系，获硕士学位。毕业创作《海宫子》获奖，被中央美术学院美术馆收藏。目前在中央美术学院雕塑系任教。他的作品被中国中央美术学院美术馆、河南博物馆、武汉美术馆、威尔士国家博物馆、威斯康辛大学Chasen美术馆、韩国光州美术馆、日本濑户美术馆、澳大利亚白兔美术馆、荷兰国家陶瓷博物馆等国内外许多重要公共机构收藏。产品参加过2014年韩国釜山双年展、2017年意大利威尼斯双年展、2018年澳大利亚悉尼双年展等重要展览。(正文:展览的学术主持人白明教授)

展览场地