话剧表演 话剧表演和影视表演有什么区别

很多同学在表演的路上总是很迷茫。戏剧表演和电影表演有什么区别？只是一个面对镜头的，一个更直接面对观众的？所以今天我们来区分两者的区别！

文章来源│艺术十艺

01

面向生活的表演

电影的纪实性质要求电影表演必须真实、自然、生活化。电影演员在真实的外部或现实的内部进行表演和创作，这就要求演员的创作要与真实的环境融为一体，同样真实。

戏剧演员在虚拟的舞台和特定的场景中表演，这就需要演员有很强的信任感，相信自己是在一个假设的环境中，在假设的舞台上有真实的感受。

此外，电影摄像机的运动随时改变观众的距离和视点。在特写和特写中，演员的眼睛、肌肉抽动和皱纹颤抖清晰可见，任何虚假夸张的表演都是观众难以忍受的。

戏剧演员在舞台上，要全身心的带动，完全融入指定的场景。戏剧演员和电影的区别在于，他们站在戏剧舞台上，很多面部表情和小动作都不是很清晰，所以这些小动作会在戏剧舞台上被放大。

当然，电影表演和戏剧表演的生活绝不是用生活代替表演，也不是自然地再现一切生活内容。它是一种基于生活原型的艺术，通过选择和提炼，再现生活中的人物。戏剧艺术的表现手法要相对夸张一些。

02

性能的连续性和不连续性

时间空自由是电影艺术的独特之处，一部电影中镜头的划分和组合，可以将任何一幅画面与其他画面并列。这种自由的时间空造成了电影表现的不连续性。电影拍摄为了满足制作的需要，既不连贯，也不有序，使得演员断断续续甚至颠倒着角色活几个月甚至更久。但电影是连续的，放映时不会倒挂，这就要求电影演员有能力在不连续的“镜头表演”中保持角色的统一性和完整性，保持角色思想、感情、性格的连续性。要求电影演员深入研究剧本，把握人物的基调、性格及其发展，掌握剧情的矛盾冲突和人物的身心动作台词，确定角色的重场景、切场景和高潮场景，处理好表演强度和节奏。

时间空限制是戏剧艺术的特点，戏剧演员几个月来从头到尾都在经历。可以说他们一天活成了好几次戏剧人物，时不时的体验，时不时的创新。在正式演出中，他们一开始就不会停下来，直到演出结束！从而造成戏剧的连续性。

03

镜头感和整体感

电影演员在镜头前表演，一定要有镜头感。镜头感包括:表演生活；画面的想象和体验；适应不同场景和摄影技巧；改编到工作室，现场拍摄，没有观众交流，没有对手交流。电影演员必须学会分析故事板和设计提供的条件，根据导演的艺术处理构思自己的表演。不同的场景要通过不同的表演尺度和手段来体现。远距和全景，近景和特写都需要演员运用不同的动作和技巧。要求更丰富的内心体验和细腻的表达。

戏剧演员在舞台上创作时，注重外部的整体性。因为舞台是固定的，要根据场景的假设来说服观众。戏剧演员在舞台上分析排班和空之间的结构，使舞台更真实。因此，戏剧演员更注重整个舞台，而不是个人。

04

对演员的制作条件要求

电影表演不仅与电影艺术的特点密切相关，还受到电影企业生产条件的制约。电影演员必须适应各种条件。比如要经得起“无限等待”的考验:拍摄室内场景、等待灯光、等待摄影技术条件、等待艺人、等待服装、等待道具等。；外景拍摄，等待日出日落雨雪等等。再比如适应各种拍摄条件，比如寒冷、高温、强光等等。

戏剧表演与表演艺术紧密相连，舞台的假设可以随时下雨，让观众通过自己的表演感受到雨。没有限制。

05

一次性艺术

电影表演一般都是一次性的艺术，后期剪辑后在电视上播出，也就是这个影视生命的终结。

戏剧表演是一门多性的艺术，因为戏剧演员每一次表演都有新的体验和新的表演。可以说，戏剧演员每次表演都会有不同的感受和表现。

戏剧可以说是表演艺术的基础，世界各地的艺术学校都教戏剧怎么演。而不是告诉学生如何控制脸的角度，如何改变身体的角度，如何用胸前的麦克风行动...还有，很多职业演员都知道自己下一个镜头的动作还是要按照上一个镜头记录的顺序来，但是他们并没有真正理解这样做的重要性。比如，一开始，你拿起手机，打电话，放下电话，拿起书，看了看，扔了。这个顺序，记住！在接下来的拍摄中，还是这样做，这样会省去很多后期剪辑的麻烦。能做到这一点的演员，会受到导演和编辑的青睐，获得更美的镜头。这个很重要。毕竟拍完还不够。成品是什么取决于后期的剪辑。

在镜头前表演总是要测试的。不管你演了多少戏，都要不断学习。知名演员的表演一直都很好，因为他们不仅会打磨基本功，还会在镜头前学习练习表演。只有不断学习，才能接近真正演员的方向！

*获取更多演出信息，访问“聚辉王朝”，你想要的演出都在这里。