冀少峰认为傅中望的作品无论风格怎么变换，都没有脱离开榫卯的叙事，并始终和榫卯结构这个历史的上文发生着千丝万缕的联系，这是一种生命的艺术、关系的艺术。他认为傅中望近期的视觉表达不仅在形成一个个话题，还因为置身其间的阅读者，不断带来异质化的阅读经验，这批新作的确提供了新的思想和艺术经验，这也使我们一方面要探讨作品和传统的关系。
左侧作品为《榫卯结构16#》
展览空间：营造扑面而来的质朴感和历史感
此次“开物”展，傅中望以榫卯系列的经典作品《榫卯结构16#》为开端，冀少峰认为《榫卯结构》系列叙事是傅中望制造的一个又一个视觉谜题透过榫卯，我们亦可以清晰地洞察到傅中望巧妙地隐藏在其背后的创作意图。
傅中望擅长营造扑面而来的质朴感和历史感，《大木作》是傅中望在这一阶段将榫卯解构向极致的作品，也是“开物”展览中的关键作品，似榫又似卯的木质结构铺满墙面，这里像一个大的生命容器，当观众走进作品时带给作品不同的可变性。
《大木作》
对于泉空间展厅空间的介入，傅中望还特意创作了作品《空界》，以打破展厅内相互对称的墙面，并与《天井》相互映衬，两件作品结构同样用榫卯中的古代干井式结构，一种在春秋战国时期就被频繁利用的榫卯结构，用来破解空间。
左侧为《天井》右侧为《空界》
冀少峰说：“傅中望所运用的是最单一最原始的材料，用基本的木结构榫卯呈现他的叙事方式，很难，但是他却让这种叙事方式无限生长，变化无穷。看似是废弃的榫卯，稍加雕凿，看似没有精心打造，却有古老的意味。今天他再来延续这种关系和思考，作为观众能感受到他视域的宽广，这就是傅中望如今的智慧和淡然处世，用人生做艺术。”
策展人：张晴
展览：“平行世界”喻红新作展
C现场效果：★★★★★
D公众认知及影响力：★★★★
E国际化能力：★★★★
喻红与张晴
策展主题：持续追问与相互博弈
作为喻红在苏州博物馆的策展人，中国美术馆策划研究部主任张晴担任这个角色再合适不过，他是喻红的多年好友，对喻红的创作甚为了解，他还是苏州人，曾经在苏州博物馆工作过八年，此次展览中的多件作品正是喻红专门耗时两年为博物馆的空间而创作，这是2013年喻红首次在苏博个展之后的再次对话。
此次“平行世界”是张晴于2011年策划的喻红个展“黄金界”，以及2012年“在当代2012中国油画双年展”的基础上延续而来，张晴说每一次新展览都是二人在精神世界的一次合作，是对前一次学术主题的进一步追问与反思。策展人与艺术家在他们之间更是一个相互博弈的过程。
在策展人看来，喻红的平行世界实际是一个多维度世界，展示了喻红一贯的对社会的思考，人们生存的极多世界所经历的遭遇，由此构成了喻红画面中的纠结、悖论、矛盾与冲突。这其中包含了社会生活的变迁，政治变迁、经贸变迁，乃至社会思想的变迁，开启了艺术以交叠的视野表达现实及内心的尝试。
《百尺竿头》喻红
展览空间：为空间量身定做 与贝聿铭对话
两年来，喻红为苏州博物馆的空间量身定做了15件作品，在此次个展中呈现于现代艺术厅三个独立的展厅区域，其中包括三件巨幅画作：三联竖幅作品《百尺竿头》、宽9米的三联横幅作品《坤乾》、《日月同辉》。
《开门见山》
苏州博物馆一角
中央展厅是主展厅，展出了本次展览最高的作品《百尺竿头》，也是本次展览重要的作品之一。竖三联的形式挂于墙面，正好挡住了原本展厅内的窗户。《百尺竿头》对面墙上的《开门见山》则非常巧妙的借用了苏州园林的景色。作品所在位置对面正好是进门口，对面穿过走廊则是贝聿铭设计的高低错落排片石假山和庭院。而作品中开门所看到的正是具有苏州古韵的假山石，仿佛是贝聿铭设计苏州博物馆所运用的“借景与挪用”的平行写照。
策展人：殷双喜
展览：“水墨文章——色界变象”当代水墨研究系列展第四回
C现场效果：★★★
殷双喜
策展主题：水墨中的色彩
“水墨文章——当代水墨研究系列展”经前三回“写意精神”、“笔法维度”、“文脉创化”，至今的“色界变象”已先后历5年，提出了四个话题。作为本年度的策展人，殷双喜先生思考当代水墨时从色彩的角度切入，他说：“正是由于明清文人画对色彩的贬斥，把它归纳到工匠化系统，这恰恰留给今天色彩画发展的很大空间，中国画家对色彩的运用，但并没有被整体呈现出来。”
此次展览殷双喜先生邀请了刘庆和、梁铨、徐累、沈勤、田黎明等12位艺术家参展，殷双喜认为他们对于色彩的实践并非是偶尔为之，每个人在绘画的过程中探索了几十年。此次展览旨在探讨中国画的当代转型，研究中国画的色墨关系，以及色彩与物象、色彩与图形、色彩与观念等。从“大中国画”“大美术”的视野出发，观察现代中国画艺术中色彩运用的可能性与边界，展现当代优秀的中国画家以不同的色彩媒介、表现形式所进行的语言探索和观念拓展。
殷双喜说：“我试图通过这个展览，对中国绘画的历史、色彩的历史有一个回顾，更重要的是在一个全球化的局势下，中国文化如何能够进入世界文化交流语境。能够坦然的、平静的、平等的进行世界文化的交流，这是我们现在思考的一个问题。”
作品呈现：水墨中的色彩世界
12位艺术家的作品共呈现出笔墨与色彩、造型与图像、工笔与写意、传统与现代的对话，艺术家们在作品中均大量使用了“颜色”，或清新淡雅、或色彩绚丽、丰富多彩。无论是哪一种，艺术家都极力用自己对于“色”的理解，打造出属于他们观念及画面上的“和谐”。另为配合展览呈现，展厅内还呈现出颜料原石和矿物质颜料，以更直观、具体的方式展示出中国传统绘画中的“颜色”。
沈勤的最新作品《公路》在策展人殷双喜看来在用线上达到了一种极端，看不到惯常的用笔的勾线，也无大片的水墨的渲染。殷双喜介绍：“蓝色的画面是一个视觉的景观，非常的深远、透明，宁静的境界，算是一种高度的抽象，没有画具体的树与形象，但却让人感觉很丰富，让人感觉面对群山迎风刮过，墨色的世界跟色彩世界相比，同样丰富多彩。”
策展人：侯瀚如
展览：“利悟利”颜磊个展
侯瀚如
策展理念：艺术家眼中的艺术与生意
“利悟利”是艺术家颜磊在2001年成立的一家注册公司来制作，展示他的项目，成为展览主题水到渠成。策展人侯瀚如认为，以此为展览主题，意为法语“Rêverie(梦想)”这一带双关语的音译，这个看似简单的名字兼具“空想/幻灭”和“利润启发了更多的利润”的涵义。梦想已然成真：艺术与生意如今完美地融合为一。从本质上来说，颜磊的作品表达了他的幻觉感，亦即他对艺术和生命的幻灭，的公司在产生利益，而利益又再生出利益，也正切合了公司以及这次展览的名字。
侯瀚如认为：“这个展览实际上反应的是，颜磊觉得做艺术跟做生意没什么区别，但是这只是一种说法而已，他表明的是对艺术和艺术家角色的挑衅，或者是说批判性或讽刺性的理解，但作为艺术家他又在其中。”从而，实际上这一展览就是以空想作为主题，表达了艺术家对于当下艺术蓬勃发展的表象之下产生问题的反思，也体现出了艺术家对于艺术与生意之间关系的思索。
展览空间：无限的艺术工程
这次颜磊在红砖美术馆的新展览，由几个部份组成，包含绘画、装置、声音等不同媒介，简单地以“利悟利”的名称作为标题。观众一进中央展厅首先看到的是一件大型装置《利悟利》(2015)，一架双层结构的汽车生产线机器：运转中的旋转带上悬挂着颜磊在利悟利公司成立初期所做的实验性油画作品，而喷上工业漆的汽车部件却被当成画一般挂在美术馆的墙上!车门上刻着“焰火3号”，“两头熊猫吃竹子”和“我选择这个地方，如今我把我的心搁在此地”等，这些字样从车门背后凸起显示，用来标示被工业漆覆盖住的“虚构”的图画。
展览也将展出颜磊2002年以来开始制作、自绘画技术平台延伸出来的符号性作品：《彩轮》系列(2002-2015)。这些色彩丰富绚丽、视觉上具晕眩迷幻效果的同心圆，是按不同逻辑和秩序对色谱体系里的数百个颜色进行随意的搭配和组构。颜磊曾经表示，彩轮揭露了看似客观真实的色彩理论(以及整个艺术价值体系)，事实上充满了虚假与人为操控。
策展人：付晓东
展览：双飞克莱因蓝、双飞荒蛋奖
D公众认知及影响力：★★★
E国际化能力：★★★
付晓东
策展主题：恶搞与思考
先是“双飞克莱因蓝”，接着是“双飞荒蛋奖”，策展人付晓东为她一直在助推的“双飞”小组又打造了两次热闹的“聚会”，对实验艺术实践与思考的青年艺术家一直是付晓东的关注点。
在“双飞克莱因蓝”中，付晓东介绍：1960年3月9日，在巴黎国际当代艺术会场，伊夫克莱因用国际克莱因蓝涂抹在三位女性身上，并在墙壁和地面的画布上翻滚拖拉。2015年4月26日，双飞艺术中心将在北京空间站重现这一历史经典时刻的现场。历史经过了55年，克莱因所崇尚的“空灵宇宙”的精神火种，将再次复活，观众可以现场体验到双飞重演玄虚艺术家自投净空纵身一跃的刹那，使虚渺而复杂的精神世界悬浮于宇宙太空之中。付晓东期待看到的是：双飞如何通过克莱因蓝绘画的行为超越时间、空间，体验无形的意识世界?这是怎样一条通往虚空之路?
而“双飞荒蛋奖”则受邀自今日美术馆高鹏馆长，邀请双飞参与“七天青年艺术家项目”。这是双飞关于再次提出了关于“先有鸡，还是先有蛋?”这个世界本源的哲学命题。项目以撞蛋游戏为由，邀请观众参与互动，而其深层意义则在于付晓东一直在探讨的例如“后传统起源”、“克莱因蓝”等项目中所之处的关于人类文明史、艺术史、文化史等因素。
展览现场：游戏中的致敬
在空间站里，八位双飞成员把身体当作主要的媒介，以看似恶趣味的表现方式向艺术史上的经典“克莱因蓝”的表演致敬，克莱茵蓝贯穿了双飞的整场表演，每个裸男身体都沾满了纯粹的蓝。双飞成员通过巨型充气滑梯、泳池、水枪、乐器对自己进行装扮，把画廊打造成游乐园。从最初的表演逐渐演变为克莱因蓝沾到身体之上之后的混乱，他们在现场越玩越HIGH，气氛热烈，似乎忘记观众。双飞成员之一头发蘸在颜料里，旁边两个人抬着他的身子用头发画画 ;杨俊岭被几个人用油画布包起来钉在墙上，被各种蹂躏;后来已经被彻底砸散架子的提琴，被林科重新组装成一个雕塑，挂在了滑梯上方;几个“双飞小球”，皮球、排球、足球在全场乱飞;杨俊岭甚至拿起喂足了克莱因蓝水的呲水枪，向周围人以及观众喷射，吓得现场观众赶紧用画廊准备好的蓝色雨衣挡住身体;现场不知是谁送来了一盘美味的蛋糕，崔绍翰端着蛋糕给在场的每一个观众分享……
而在今日美术馆的“双飞荒蛋奖”现场，展览布置就像是此次展览所探讨的“宇宙”，空间中央高悬两只椭圆形“蛋”，空间布置涉及宇宙、星河等元素，“撞蛋”比赛则是项目主体，邀请观众参与。比赛时间为开幕当天至6日，选手在现场以一元的价格购买一枚鸡蛋，每轮两位选手登台手握鸡蛋互相撞击，蛋不破者胜;前六天为初赛，每天产生优胜奖并获得1000元奖金，6日总决赛将获得5000元奖金并现场颁发。
刘礼宾
策展人：刘礼宾
展览：破图集——中国当代艺术家处理图像的方法
策展主题：梳理中国当代艺术与图像的对话
“破图集”是策展人刘礼宾对当代艺术梳理过程中的其中一条脉络，关于这条思路的探讨刘礼宾已进行了两年。尤其是近期国际艺术大师来华所引发的热潮，让他感觉中国艺术界就像水草一样，只要有风来就会东倒西歪。他想借助这样一个展览，重新确立中国当代艺术家和图像对话时的脉络。
刘礼宾希望通过展览尽量让中国当代艺术脱离出西方学术术语的牢笼，他认为中国当代艺术被众多的叙述所控制，而这种叙事只是拿当代艺术作为其填充，或是在履行原有的理论，“所以我有一种危机感，想通过这样的方式让人们看到中国当代艺术家的努力，让人们看到他们的自立性。”
展览空间：展示方式和梳理方式的错位呈现
“破图集”共分为13个单元，62位艺术家参与，共展出作品240余件，启用了寺上美术馆1号、2号、3号展厅，策展人选择了62位艺术家的经典大尺幅作品，可谓近期少有的大规模当代艺术展。
13个单元包括：“画击图”“平涂你”“时代刃”“皮上色”“ 哈哈镜”“流成河”“笔搅面”“缝中针”“皮的肉”“放一起”“眼睛骗”“非图像”“没法弄”，这些在字面意义上看似没有任何关联而且随意词语组成了展览的十三个单元。
展览从一号展厅的罗中立的《父亲》与陈丹青的《西藏组画》系列作为整个展览的开端，单独成为一个版块，策展人称其为“画击图”，同时在此展厅里还展出了代表着“时代刃”“皮上色”“哈哈镜”等版块的王广义、舒群、张晓刚、展望、祁志龙、方力钧等艺术家的重要作品。但策展人并没有按照13个单元的先后顺序对艺术家进行划分，而是将62位艺术家所代表的13个版块打乱在三个展厅中，每位艺术家的作品之前贴上其所对应的单元的标签，这种展示方式和梳理方式的呈现是错位的，也是策展人所强调的每位艺术家都是一个独特的个体。
策展人：吴洪亮
展览：“回”王天德个展
王天德与策展人吴洪亮
策展主题：时空错位的历史与艺术
在北京城里长大的吴洪亮对于传统有着特殊的情感，在北京故宫博物院的建福宫策划的展览对于他和艺术家王天德来说都有着多重涵义，巧合的是，他曾经参与过建福宫重建过程中上梁仪式的工作，他说：“当时的‘上梁文’由已故中国建筑界的泰斗罗哲文先生撰写，如今想来还记忆犹新。”
以“回”为主题，是艺术家王天德与策展人吴洪亮共同思考许久的呈现，吴洪亮说“回”是时间，“回”也是空间，就像“回”的字形恰恰代表了北京城，是一个符号，两层方块，城墙里的城墙便是故宫，昨日的紫禁城，今日的博物院。
如果用空间的思考方式去看“回”字，所代表的却又不是墙，而是门，当打开这一扇又一扇门时，便构成了“回”的穿越。“回”还是一个动作，存在我们的历史记忆中，无论治国或是文艺，每一次前进都在对过往的回望中完成。“回”又是一种姿态，在这个崇尚进步的世界里，往后意味着着拒绝、静止与内省。
展览空间：荒野之趣与绚烂堂皇共谋
三十多件新作包括《后山图》系列与最新的《雪景图》系列，展出于建福宫敬胜斋与延春阁，“大山大水”与“雪景”是王天德此次展览中展出作品的两条线索，这些作品中的荒野之趣、淡薄之色与北京故宫博物院的豪华、绚烂恰恰形成了某些对比，是一次堂皇与野逸的挑战与共谋。
王天德的作品通常由两层画面叠加而成，底层在宣纸上以传统水墨的方式表现出山水画和书法的笔墨痕迹，表层是以香灼烧皮纸，两层叠加之后产生的空间与墨的视觉图像，构成另一层山水与书法的图像，会给观众造成一种想象，使整体画面产生一种空间深度的错觉，这一空间的错位也制造了一个时间的错位，让现代的我们与古代的文人有了一个彼此观照和对话的空间，这是王天德对于山水画面系列的解读。
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