(郑思肖喜欢什么花)郑思肖写过什么诗

郑板桥 《华封三祝》

元冕 《墨梅图》

李唐 《万壑松风图》

史上

无论是古代还是现代，在瓷制器物上最常见的纹饰就是“岁寒三友”。傲骨迎风，挺霜而立，之所以屡屡受到人们的青睐，全因它们在寒冬时节仍可保持的顽强生命力。自宋代开始，便有不少文人雅士陆续成为“岁寒三友”的“骨灰粉”，不管是文学或艺术创作，无一不表现出他们对于松、竹、梅的真爱之情。

文：广州日报全媒体记者黄岚

古往今来，“岁寒三友”皆备受喜爱

“岁寒三友”是我国文化界最受欢迎的题材之一。松、竹、梅这三位仁兄之所以会“结伴为友”，追溯起来要去到北宋。那会儿东坡居士开垦荒地，在自家田边小屋的院子里种植了许多花木，且还惺惺相惜地将四季常青的松树、枝干挺拔的绿竹和冷艳报春的冬梅，称作与自己严冬相伴的三位好友。在诗人苏轼之后，南宋文学家林景熙“接棒”，在《霁山集》的“五云梅舍记”中，挥笔写下“即其居累土为山，种梅百本，与乔松、修篁为岁寒友”这样的句子，于是松、竹、梅便再度结盟为友。

从此以后，这三位寒风中的斗士在古人眼中，便成了一个铁骨铮铮的“组合”。元朝有《朝中措》——苍松隐映竹交加，千树玉梨花，好个岁寒三友，更堪红白山茶。明朝有《渔樵闲话 第四折》——到深秋之后，百花皆谢，唯有松、竹、梅花，岁寒三友。同样生命旺盛，同样坚贞高洁，“松、竹、梅”因此而成为历代诗书画中最常见的题材。

回到现代，人们对于“岁寒三友”的热情有增无减。松、竹、梅这三个字，不但常常出现在中国人的名字中，这三种植物的形象也一如既往地受到当代艺术家的喜爱。无论是建筑设计还是家居摆设，器物装饰还是图案，我们不但对“岁寒三友”赞赏依旧，还将它们当作自我激励，以此来激起自己奋发向上的精神。

南宋画家李唐：松到之处，笔笔“硬气”

对于我们而言，松树的存在感一直很强，从宾馆的屏风到庭院的影壁，都有它的身影。松树古朴端庄，平展挺拔，不但是现代人客厅挂画的高雅之选，在古人心目中也拥有非常高的地位。

历史上古人对松的喜爱，可以追溯到“五代”时候，荆浩的《松鹤会琴图》和巨然的《万壑松风图》，是当时画松中的代表作。身为“岁寒三友之首”，松树无论在多么寒冷的冬天也枝繁叶茂，几乎每一位书画大家都曾画过它。在山水画流派中，甚至还流传“有山必有松，无松不画山”的说法。

说到“画松第一人”，很多人都会想起唐代绘画大师吴道子。据说他的用笔之道是通过观赏公孙大娘舞剑而得来的。于是乎，别人娟秀之迹在纸上画山水，吴道子大笔一挥在石头上画壁画，松树就是最常被他画在壁障上的题材之一。

在书画集大成者的宋代，也涌现出一大批画松的高手。南宋李唐有一幅著名的《万壑松风图》，长188.7厘米，宽139.8厘米，被中国台北故宫博物院收藏。当年李唐在创作这幅作品时，已是一位七十多岁的老人，但画中所有的落笔都刚劲有力，无论是岗峦还是峭壁，都像被斧头刚刚凿过。

松树大多瘦硬、劲挺、多姿，所以画“松”也与画“峰”一样，讲求下笔的“硬气”——笔的燥硬、用墨的深沉以及恰当的渲染，都很重要。在李唐这幅《万壑松风图》中，能看到不少北派诸家“硬笔”的技巧，在气势夺人的峰峦之外，古松满谷，松涛万顷，同样气势雄浑而端重。所以如果想要把松画好，不妨多留意松树的前后关系，运笔用墨最好学习李唐那般，短促、干松、铿锵有力。坦荡胸怀，画由心生，据说经常画松之人可得“海纳百川”的胸襟。

清代画家郑板桥：

将“眼中之竹”变为“手中之竹”

岁寒三友，竹居其中。虽不如松的壮硕厚实，但竹子在此时亦一片苍翠。早在竹子成为“岁寒三友”之前，魏晋名士嵇康、阮籍、山涛、向秀、刘伶、王戎、阮咸，便常常友好地结伴相约游玩于竹林之下，纵情雅集，肆意酣畅，遂被后世誉为“竹林七贤”。说到最爱竹子的古代文人墨客，除了“岁寒三友”创始人苏轼之外，郑板桥的爱竹情结也为后世流传。

相对于其他艺术大家对于风花雪月的博爱，这位清代画家一生只画兰、竹、石，可以说是相当专情。竹子所代表的是一份气节和修为，后人之所以提起画竹就想起郑板桥，大概是因为他的画法与众不同。

平常人画竹，往往蘸着萧淡的水墨，疏疏落落地挥洒那么几笔，以此来点缀河流山川；郑板桥画竹，“神似坡公，多不乱，少不疏，脱尽时习，秀劲绝伦”。人生中三分之二岁月都在为竹传神写影，对于郑板桥这股执着劲儿，《清代学者像传》中的评价相当到位。正如郑板桥自己所言，“四十年来画竹枝”“画到生时是熟时”。

郑板桥在家门口种了许多竹子，每到夏天，他在竹林中放张小床一躺，看会儿书，赏会儿竹。待到风和日暖，一片片竹影映在窗纸上，风吹竹动，宛如一幅天然竹画。难怪郑板桥常常自谓，画竹多于纸窗粉壁，见日光月影之影射而得。

然而想要把竹子画得好，并非临摹或写生那般简单，我们眼中所见的是“自然之竹”，而出自艺术家之手的竹子则是“胸中之竹”。将眼前所见的客观景物，经过大脑的意象处理，最终经过技术加工转化为艺术形象。这种“再加工”的匠人精神，落实到郑板桥身上便是——日间画竹，夜间思竹，而胸有成竹。

北宋画家仲仁和尚：

水墨晕染之处，便是梅花盛开之时

古代有不少文人都是“鲜花控”，且萝卜青菜各有所爱——陶渊明爱菊，周敦颐爱莲花，欧阳修爱牡丹，郑思肖爱兰花。说到爱梅之人，自然会想起陆游的各种咏梅诗，“零落成泥碾作尘，只有香如故”。自古以来，梅花都被誉为花中“清客”，那种傲霜斗雪、凌寒独开的高洁禀性，不但为诗人们所喜爱，也成为中国画中最受欢迎的题材之一。除了千里江山，一木一石、一花一叶，也同样令绘画大师们“画你千遍也不厌倦”。

南宋诗人陆游爱咏梅，北宋仲仁和尚爱画梅。陆游总是站在风雨交加的黄昏，瞅着正在开着花的梅树感怀身世；仲仁和尚总是躺在自己的床上，盯着窗前放置的梅花察言观色。之所以要躺着看梅花，是因为他发现每当夜色来临之际，梅花会在月色下展现出疏影横斜的奇妙身姿。每到此时，仲仁和尚都会连忙掏出笔墨，细细描摹梅花的形状。虽说在北宋时期，画梅已经形成了一种风气，但完全不用颜色、只用水墨深浅来加以表现这种画梅手法，仲仁和尚是当之无愧的创始人。

对于仲仁和尚笔下的墨梅，同朝诗人黄庭坚这样形容：“如嫩寒清晓，行孤山篱落间，但欠香耳。”像这样以水墨晕写梅花的各种姿态，以画风而论自然自成一格，因此受到后人追崇。文人画家扬无咎是仲仁和尚的“粉丝”之一，不仅学习了水墨晕染技巧，后来还创立自己的画派，以白描来勾画梅花，那是后话。

俗话说，画树容易画梅难。出自仲仁和尚的墨梅画法最值得我们借鉴的地方，就是以墨晕染出花瓣，取梅影之姿。对于中国画而言，用墨之妙在于虚实相生，浓淡对比，只要拿捏好虚实之间的尺度，心中有梅梅自开。