【奥迪怎么画大全】静物画里这么多秘密？画个静物都不消停吗？

世界很复杂，但艺术家不是想恢复世界，而是通过事物创造自己的心的世界。

画家们希望通过画面，使人明白，作品创作的题材并不重要，重要的是作品是否给人以想法。他们集中精力描绘那些静止的东西，不断地修改结构，追逐色彩，通过捕捉那些简单事物的精髓，流溢出一种温暖的、令人感到亲近的真诚。

而其实静物画一度被认为是低下的画作，而纵观整个绘画发展史，静物画作也确实是少之又少，但是随着一代代画家的努力，再加上人们审美心态的变化，人们开始体会这种美的象征意义。那么究竟这些画作有着怎样的象征意义呢？又有哪些经典的静物画名作？今天的文章将为你一一解答。

一、《虚无的静物与挑刺的男孩》

彼得·克拉斯 / 1628年 / 现收藏于阿姆斯特丹国立博物馆

虚无传达的是世间财产的转瞬即逝、徒劳无功。时间的快速流逝以及无可逃脱的死亡，这一观念到了17世纪，就发展成了一种羽翼丰满的流派。其标志性的表现手法是在昂贵的水果以及其他食物、时髦的盘子、盛开的鲜花和其他奢侈的东西中加入富有意味的物品。这些绘画表达了双重的讯息：欣赏你周围的美，但是，永远记住，它是短命的。
这一静物画也告诉我们一些有关艺术家这一行业的东西——尤其是各种各样的训练阶段。徒弟们首先学习调和色彩，然后才画复制品的速写以及对着三维空间的雕塑画素描。这些阶段在这里都有表现。
这幅作品几近为虚幻符号大全：骷髅和人骨提醒我们某天也将死亡；钟表和冒烟的油灯恰似空玻璃杯一样，意味着在我们还未了解之前生命就结束了，就是时光飞逝的象征。这里的小提琴，鲁特琴和笛子——也与短暂性相关，因为还有什么比音乐更为转瞬即逝呢？

二、《有牡蛎、柠檬核银杯的静物画》

威廉·克拉斯·赫达 / 1667年 / 现收藏于洛杉矶美术博物馆

赫达是荷兰17世纪黄金时期中最具才华的静物画家之一。鲁本斯拥有赫达的两幅静物画，它们可能挂在他的厨房李，此厨房也用做他的餐厅，在哪儿，我们可以想象，他和一起用餐的人讨论艺术品：不仅仅是谈画家高超的技巧，而且也谈健康食品的重要性，后一点是人本主义者鲁本斯特别感兴趣的一个主题。

在放着牡蛎的锡盘后面，一个打破了的玻璃杯横躺在桌上；这不是赫达经常运用的一种母题。碎片或许是暗示生命的转瞬即逝，或者直接就是赫达展示非凡捕捉光影效果能力的契机。同时，打开的牡蛎一下子展示了三种肌理：粗糙的贝壳、里面光滑的珍珠母以及软体动物本身。削了一半的柠檬也是如此。

半杯的葡萄酒杯以及右侧背景上也是半满的啤酒杯可能是暗示节制的重要性。但是，在这样的静物画中寻求一种教诲或讽喻的含义或许太牵强附会了：如果这是艺术家的本意，那么这些东西就会表达得更为显然。比较有可能的是，赫达只是选用这样的画法，以便使他得以画出更多更多类型的反光。譬如，在葡萄酒杯上，我们看到了透过画室窗户进来的光线。

三、《铜水箱》

夏尔丹 / 1733年 / 现收藏于法国巴黎卢浮宫

有位评论家说过，在夏尔丹之前，法国只有静物，直到有了他才开始了“静物的生命”。这就是夏尔丹静物画的魅力所在。他30岁以后所画的静物，大多是中产阶级常用的物品，经他一再描绘，它们的幻象显出很强的“生命感”。

在这幅《铜水箱》中作家真实地表现了水桶表面油漆剥落的块块疤痕，他以朴实的色调、忠实的造型描绘了普通人所用的水罐。这个水罐实在太寻常了，就像他的碟子、水果、面包、酒瓶、刀叉那样普通到人们天天在用、司空见惯却谁都不会在意它们的存在。但正是这种如海德格尔所说的器具的“上手状态”，即在用途中，人对它们想得越少，对它们的意识越模糊，它们的存在就越真实，就越能揭示出人的实际生活世界。夏尔丹的画面就构成了一个“世界”，而这个世界便是一种家的感觉。

作为法国第一个赋予静物“生命”画家，夏尔丹的静物作品显现出特有的静态生命。在这件作品中为了表达静止物象的“生命”，抹去富贵气息，以无限深厚的感情去描绘那些平凡而无声的朋友，在画中尽量不用浓艳的色彩和闪光的器皿摆设，使静物展现其自身本来的面貌。

四、《鸢尾花》

文森特·梵高 / 1889年 / 收藏于保罗盖兹美术馆

这幅《鸢尾花》被称为梵高在“圣雷米时期最伟大的作品之一”，它远远地就能吸引住你的目光，色彩丰富，线条细致而多变，整个画面充满律动及和谐之美，洋溢着清新的气氛和活力。《鸢尾花》的构图，呈现倒品字形的构图，三个紫鸢尾花群形成有分有合的群落，似连非连。而在三丛紫鸢尾花中，只有一朵白色的鸢尾花。白色的鸢尾花很少见。”

留美学者汤本，对这样的构图有一种猜测：“这，也许，也有这样一层含义，是梵高自己对人生的感受，杰出者永远是孤独的，他只要求自己自立，但他无意蔑视其他的群体，他（她）愿意和群体合立在一起，他（她）的皎白的美，是天意使然，一朵白，和一群紫，互为映衬。”

这位专家说得不无道理，鸢尾花和向日葵一样，原本都是很平凡的植物，但梵高赋予它们精彩的形象与色彩以及永恒的生命力，是这位一生都在痛苦与挣扎中度过的画家对大自然的赞美，对美好生活的向往，仿佛是一位黑暗中孤独的舞者内心里无语的倾诉。

五、《苹果与橙子》

塞尚 / 约1895-1900年 / 现收藏于法国巴黎奥赛博物馆

由于画模特儿时人会动，这使塞尚很恼火，所以他多画静物，他认为：“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。

这些对后来的立体主义的基本理论，也就是画家必须自己在大自然中，寻找圆柱体、球体、圆锥体，有了启发。

从《苹果与橙子》可以看出，他以色彩的明暗对比，及不同颜色的安排来表现静物之间的关系。白色的盘子，桌布和苹果、柳橙，在花色及较为深色的背景衬托之下，更显画家对各物体间的秩序安排。在这幅画中，整体关系犹如一张网络，所有物象在网络上各得其所，任何细节和局部似乎都不可随意挪动，否则，整个结构便会失去平衡。

此外塞尚按照他自己的绘画方法创造了一种“反透视法”，他不是创造观赏者进入画里面去的深度，而是创造被他所描绘的物和人向观赏者走出来的印象。

如此一来，观赏者的目光自然就被吸引到画中的多个不同物体上去了。这样，在白桌布上熠熠发光的橘子和苹果，一下子跌入眼中，而不是先把目光停在盘子，水果盆、瓷罐等物品之上。

六、《瓶子、玻璃杯和小提琴》

毕加索 / 1912年 / 现收藏于瑞典现代艺术博物馆

在这幅画上，可以分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。

他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本元素去分解。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。

在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，一张花纹墙纸可用来表现桌面，一张报纸也可剪贴成小提琴。

七、《长颈瓶上的花束》

奥迪隆·雷东 / 1912年 / 现收藏于巴黎卢浮宫

这幅色粉画是奥迪隆·雷东的作品，雷东的静物画主要依靠想象，而不依靠视觉的印象，他丰富的感情把色彩的幻想发挥到了极点。他的油画和粉笔画，效法印象派绘画的静物、花草等方法，注重光色，色彩富抒情味，曾受到马蒂斯的赞赏。这里要欣赏的静物《长颈瓶上的花束》，是我们领略这方面艺术特色的极好范例。

这幅瓶花是画家去世前4年所作，长颈瓶中一束从野外采摘来的多种鲜艳小花，发出了艳丽耀眼的光彩，显示出热情、温和、纯洁和高贵的美，这是纯真人格的化身，是一首热情洋溢的抒情曲。他画的色粉笔花卉，具有一种朦胧感，它们出现在某个空间，但没有固定的位置，天空就像梦中的花园。长颈瓶上的花束，色彩耀眼明亮，不像是一种植物的本性。它体现着画家内心的欢快感情。他说过："超自然的东西不给我以灵感。我观察外部世界，我以真实的事物，来展示我投向梦中的事物，它是我自己生命的扩大。

八、《静物》系列

乔治莫兰迪 / 私人收藏

莫兰迪生于意大利波伦亚，长期在波伦亚美术学院教授版画和油画。他整日忙碌于像册大小的画布里，几乎闭门不出，在平静中度过了一生。然而，在他小幅的油画作品中却蕴藏着宏大的艺术魅力。莫兰迪选择极其有限而简单的生活用具，以杯子、盘子、瓶子、盒子、罐子以及普通的生活场景作为自己的创作对象。而他面对一堆杂乱的日常生活用品，并不着意去表现常人眼中的比例、结构、体积、空间和质感，也没有过多地注入个人的情感因素，而是较为理性地从平面化的角度去经营对象各部分之间的位置关系和画面的空间分割。

把瓶子置入极其单纯的素描之中，以单纯、简洁的方式营造最和谐的气氛。方与圆、虚与实、显与隐、松与紧、正形与负形、完整与残缺、分解与整合，构成了一幅单纯而神秘的图画。平稳、简洁而神秘的构成，平淡、和谐而高雅的色彩，都是莫兰迪对画面形式感孜孜不倦探讨的结果。而最终他在立体派和印象派之间，以形和色的巧妙妥协，找到了自己独特的画风，阐释了事物的简约美。

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