朱莉亚音乐学院 茱莉亚音乐学院为什么是全球音乐学子的梦想？

朱利亚音乐学院成立于1905年，是美国最负盛名的高等音乐机构。靠近纽约百老汇，以其独特的地理位置和深厚的教学实力，成为美国最具影响力的音乐殿堂。近年来，学院不断创新音乐教学，致力于培养多元化的音乐人才，为美国音乐剧的发展提供了源源不断的动力，被誉为“音乐哈佛”。

自从1905年10月茱莉亚音乐学院以“音乐与艺术学校”的名义成立以来，虽然第一年的学生不到500人，但朱莉娅开始为美国的表演艺术教育设定标准。今天的茱莉亚音乐学院继续体现这一高标准，并不断适应美国和世界不断变化的文化需求。

有来自美国47个州和世界50多个国家的800多名舞蹈、表演和音乐学生。学院授予学士到博士学位，并授予爵士、歌剧、表演、弦乐四重奏、戏剧、戏剧导演等方面的高选择性、高竞争性学位。朱莉娅的毕业生都是表演艺术家，他们继续在世界各地的表演艺术团体中表现出最高的专业水平。

茱莉亚音乐学院的确是全世界音乐学生梦寐以求的地方，但其超低的录取率也让很多考生望而生畏。茱莉亚音乐学院院长约瑟夫·波利西对申请人提出了这样的要求:戏剧专业寻找想象力和创造力强的学生，而舞蹈专业则注重考察学生的技能和基本功。说到乐器，比如钢琴、小提琴，茱莉亚音乐学院寻找的是能演奏出非常高水平的演奏，并且有深厚造诣和娴熟技巧的学生。对其他乐器的要求相对宽松，但还是比较难考。

科学的教学理念和严格的教学管理

在专业设置上，学院从自身客观条件出发，充分发挥自身专业优势，同时非常注重世界艺术人才市场的需求。

在人才培养方面，学院强调培养“全面型人才”。所谓天赋，不仅仅是一个技艺高超的人，更是一个视野开阔、知识丰富、懂得如何成为艺术家的人。培养人才要从人才条件和学校实际出发。关于毕业的问题，学校没有严格的学制，学生只要完成了规定的学分就可以毕业。

此外，即使选择了专业，学生仍然有机会选择真正适合自己发展的专业。高校教师会根据学生的学习情况和自身特点为学生提供职业指导，帮助学生找到最适合自己发展的方向。同时，很多专业课面向全校开放，每个人都有机会学习自己感兴趣的艺术。从学院的角度来说，所有的艺术都是相通的，只有充分学习，才能充分发挥艺术的特点。

学院虽然没有专门的教师，但凭借其在音乐领域的崇高地位，可以吸引一批大师级人物兼职授课。对于许多音乐大师来说，能够在朱丽亚教书是他们职业生涯的一个非常积极的证明。学院常年授课的专业教师约250人，大部分是专业领域的优秀人才，甚至是公认的大师。比如世界级大师波尔曼，世界著名钢琴家马友友，年轻钢琴家郎朗，都有在茱莉亚教学的经历。

茱莉亚音乐学院著名校友

大提琴演奏家马友友

学院作为百年名校，始终把创新放在首位。自20世纪80年代以来，为了改变以前重技术轻文化的局面，学院开始了大规模的课程改革。为了不影响学生，学院设计了一个长期的改革方案。我们应该从本地实验开始，探索经验，等到确定之后，再开始大规模实施。以音乐专业为例，除了音乐专业课程，学生还必须参与西方文化史和世界文化史的学习。

文化课的学习不是表面的，而是贯穿整个学习过程，要经过专业考试。以室内乐为例，为了适应市场需求的变化，学校加强了音乐创作的培养。学院在改革过程中，不断听取专业意见，根据现状不断出道，以保证最佳的教学效果。

立足市场，实现多元艺术融合

在全球化时代，音乐市场发生了巨大的变化。近年来，由于经济因素的影响，美国国内音乐市场萎缩，专业竞争更加激烈。以音乐专业为例。作为美国的国粹，深受美国和世界人民的喜爱。进入新世纪以来，美国音乐剧已经完全走出国门，成为一门新的艺术，在美国，音乐剧演员社会地位高，收入可观，因此成为许多年轻人梦寐以求的目标。

音乐剧是一门综合性很强的艺术，侧重于音乐和戏剧的双重特征，是一种难度很高的艺术形式。在音乐剧的发展中，学院一直扮演着非常重要的角色。无数杰出的音乐天才，从朱丽亚到百老汇舞台，从百老汇舞台到世界。为了培养高素质的音乐人才，学院开设了一系列有针对性的课程，这些课程都是基于音乐剧的基本特征，努力实现不同艺术之间的高度融合。

音乐剧是一门综合性很强的艺术，侧重于音乐和戏剧的双重特征，是一种难度很高的艺术形式。在音乐剧的发展中，学院一直扮演着非常重要的角色。无数杰出的音乐天才，从朱丽亚到百老汇舞台，从百老汇舞台到世界。为了培养高素质的音乐人才，学院开设了一系列有针对性的课程，这些课程都是基于音乐剧的基本特征，努力实现不同艺术之间的高度融合。

声乐课是音乐活动的基础，也是其他音乐活动的基础。因为并不是每个学生最终都可能成为一名优秀的音乐人才，为了给学生毕业后更多的选择，学院非常重视基础能力的培养。在基础声乐教学中，美声、流行音乐、音乐剧是没有区别的，不同专业的学生可以在同一个课堂上充分学习不同的声乐教学内容，从而开阔视野，提高自身素质。

音乐剧理论教学是茱莉亚音乐学院的一大特色。学院是第一个开设音乐理论的高等院校。当大多数人把音乐剧当成一种流行文化时，学院的教授们已经开始了系统的研究。作为音乐专业，学生必须接受系统的音乐理论学习。学院认为理论是一切实践活动的基础，是成为优秀艺术家的必要条件。只有夯实理论基础，才能整合各种艺术，实现创新发展。

同时学院非常重视理论与实践的关系，所有理论课程都配备了一定的实践活动。比如声乐理论与声乐实践的结合，戏剧理论与戏剧创作的结合，表演理论与表演活动的结合。总之，所有的理论都不是停留在课堂或书本上，而是每个学生都要亲自实践，证明自己的有效性或不足。

声乐表演课是音乐剧专业课。音乐剧是一门综合艺术，是声乐和表演的高度融合。在声乐表演课的教学中，学院突破传统模式，将音乐专业、舞蹈专业、歌剧专业放在一起，让音乐专业的学生充分领略其他艺术的特点，学习各种艺术，从而达到充实自己的目的。同时学院要求音乐专业达到其他专业的一般水平，参加其他专业的一些课程，如舞蹈编曲、舞蹈生理学、戏剧理论、表演理论等。

注重实践培养创新人才

美国教育向来以实用性著称，尤其是音乐教育。学院的老师认为实用性是第一位的，只有立足于实用性才能实现创新。所以学院并不提倡所谓的创新，而是要求每个学生脚踏实地的学习，培养基本的实践能力。以音乐剧为例，作为一门现代艺术，也是一门实践性很强的艺术，必须在学习过程中进行大量的实践，才能取得良好的效果。

为了保证学生能更多地参与音乐创作和实践表演，音乐专业每年都会在系里组织学生，或者邀请舞蹈系和戏剧系的一些学生参加音乐编曲和表演。虽然表演都是经典或百老汇的节目，但老师要求学生进行二次创作，而不是盲目模仿。

学院不仅重视音乐表演人才的培养，也重视创造性人才的培养。在音乐写作课程中，朱莉娅设计了大量的应用写作课程，如戏剧写作、戏剧心理学、古典戏剧写作、现代戏剧写作等。在教学方法上，学院是独一无二的。从根本上说，写作是以实践为基础的，所以除了历史理论课，所有的音乐写作课都是围绕实践进行的。

在教学过程中，编剧系、作词系、作曲系的学生混合在一起，以创作组的形式接受教学。教学结束后，每组必须提交自己的作品，由教师根据他们的学业成绩进行评分。第一年分组由老师决定，第二年分组免费。

学院除了参与本专业的创作实践外，还要求专业学生参与其他专业的创作活动。比如音乐系的学生一定要参与舞蹈系的创作活动，尽量把舞蹈系的作品改编成音乐作品。毕业后，学校还将从百老汇聘请专业导演指导学生安排音乐剧，并邀请一些行业专家观摩。

名师介绍

马蒂·雷卡里奥

马蒂·雷卡里奥是国际著名的钢琴教育家和演奏家。他精通芬兰语、英语、德语、俄语等。他目前是美国茱莉亚音乐学院的钢琴教授。

马蒂·雷卡里奥1954年出生于赫尔辛基。他曾在美国汉诺威国立音乐戏剧大学和朱利亚音乐学院任教。1980年在卡内基音乐厅成功出道后，多次在欧美和亚洲举办自己的独奏音乐会和钢琴大师班，深受古典钢琴爱好者的欢迎。

马蒂·雷卡里奥精通8种不同的语言，包括他的母语。目前国际上已发行20张钢琴CD，包括两部重量级作品，普罗科菲耶夫钢琴奏鸣曲全集和安托万·宾斯坦钢琴协奏曲全集。

马蒂·里卡利奥曾在国内外主要钢琴大师班担任讲师，并在暑期学校担任客座教授多年。他提倡音乐中情感的表现力。音乐中那些优美旋律勾勒出的画面往往难以解释。比如有时候会让你很烦，比如再给音乐注入一些能量。演奏时是一种特殊的紧张感，音乐的抒情性并没有减弱。被誉为能完美总结以往钢琴艺术经验和成就，开拓未来钢琴音乐发展的钢琴大师。

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