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无论说“亚文化”还是“圈层文化”，我们所面对的，可能是一些看上去奇奇怪怪、毫无价值的人与事，甚至令主流文化难以接受。然而，资本与内容市场都瞄准了这些小众文化。《艺术商业》11月刊重磅专题带您看“亚文化的逆袭”。

托蒂曾苦练日向小次郎的猛虎式射门；2002年韩日世界杯时，因扎吉特地买了《足球小将》单行本带回意大利；2018年世界杯1/8决赛中，日本球迷在看台上挂起了大空翼的巨幅海报……

里约奥运会闭幕式上，大空翼、哆啦A梦、HelloKitty等动漫元素相继出现在东京8分钟的表演中；蜡笔小新、路飞、鸣人和孙悟空等9个日本动漫形象随后，更成为东京奥运会的形象大使……

日本动画片《蜡笔小新》的手办 摄影 ：李嘉琦

诸如此类的日本二次元（动画、漫画、游戏以及周边衍生品，以下简称“动漫”）故事，往往会在不同时段里，被各类相关新闻不断地重刷、重播，也形成了众人对于日本动漫产业乃至日本文化的核心观感—一个由庞大的、拥有世界级辨识度的动漫形象汇成的超级动漫IP森林。

永远的一年级小学生柯南有句名言：真相只有一个。只是上面的答案，不是真相。

一周、山寨、迭代……50年的日本动漫养成

惯常的说法，日本动漫的历史，在2017年恰好满了100岁。

这一说法，源自1917年的1月，日本出现了第一部动画作品《芋川椋三玄关番之卷》，但这只是一个发端。

真正意义上名动全球的日本动漫，流行于第二次世界大战结束后，以手冢治虫创作的《铁臂阿童木》为标志。1952年，《铁臂阿童木》开始连载；1963年，其变成动画片，登上电视屏幕。

手冢治虫之所以被称为“日本漫画之神”，其根源也在于此。除了创作出这样一部世界影响力的动漫外，他也奠定了日本动漫的制作规则：一周。

悟空是《七龙珠》里最喜闻乐见的角色 摄影 ：youthx 青年

漫画，根据漫画周刊的出版时间，一周时间绘制出足够连载的内容；动画，根据电视台的播出时间，制作出一集30分钟左右的内容。

必须指出，在日本动漫的兴起之初，山寨的态度却颇为坚决。如手冢治虫、水木茂等宗师级的漫画大师，其创造的人物形象大多能在美国漫画中找到原型。甚至，有人揶揄道：水木茂创造的“火箭人”，就是超人的孪生兄弟。

但这一现象很快就被阿童木、哆啦A梦、七龙珠、圣斗士星矢等一代接一代的国民动漫以及藤子不二雄、鸟山明、车田正美以及宫崎骏等大师的接连崛起，而快速完成了原创变身。

日本东京台场的高达基地 摄影 ：youthx 青年

值得玩味的是，日本动漫50年来，有3个关键时间节点。

其一是1950年代开始的连续10多年的崛起期。动漫成为第二次世界大战后出生，刚刚经历美军占领，文化精神处在迷茫中的日本少年的“口红”。而该时段中的动漫，也大多体现出科技、创新以及对核战争的恐惧与救赎。

其二是1980年代后的10余年极盛期。任天堂、世嘉等一众游戏巨头以及家庭电视游戏的流行，大量漫画和动画形象也涌入游戏之中，让电视陪伴长大的一代孩子，与被阿童木陪伴成长的父母一起找到了交流的语言，遥控器战争也在迭代中被消解。

1979年开始，《机动战士高达》《宇宙战舰大和号》等宇宙科幻动漫陆续登场，还有《圣斗士星矢》《七龙珠》《足球小将》等热血励志动漫的出现，恰恰和彼时日本全球经济扩张的野心，有着某种精神上的联系。

《蜡笔小新》中的小新以各种周边产品亮相 摄影 ：李嘉琦

其三是21世纪之后的稳定期。其间的代表作或许是获得奥斯卡金像奖最佳长篇动画奖的《千与千寻》，这其中也包含着在经济衰退中日本人的迷茫与对“自己名字”的寻觅。

动漫亦成为拯救日本经济的一味良药。数据显示：从2000年开始，日本动漫产业平均每年的销售收入达到2000亿日元，已经成为日本经济的三大支柱产业之一。实际上，加上动漫衍生品的销售收入，广义的动漫产业在日本GDP中的比例平均在6%以上。

创新、链条、同步……让动漫更赚的制作委员会

仅仅依靠极为精良的动漫游戏作品，并不足以成就长达50年的产业神话。

如何商业化，手冢治虫是始作俑者。

为了保证低成本状态下一周30分钟动画片的输出，手冢治虫创造性地推出了一系列动画简单制法：将每秒帧数从原本12帧减至8帧，简化动画人物口型动作，采用摄影技术表现招牌pose，用火花形状的记号表达人物的惊奇心理等。

哆啦 A 梦陪伴了几代人的成长 摄影 ：youthx 青年

这种成本和更新频率上的双保险，让《铁臂阿童木》创造了40%的收视率奇迹，随之而来的还有庞大的广告赞助商。

创新，成为日本动漫产业的核心诉求。1979年《宇宙战舰大和号》热播后，高度还原的塑料模型玩具、广播剧CD和原声大碟等，一系列与动画相关的衍生品，在该剧热播后热卖，也让业界看到了动漫衍生品的市场空间。

随后，一个名为“制作委员会”的全产业链组合也在这样的磨合中，逐步成为日本动漫产业的标配。1990年代开始，为了减轻动漫制作过程中需要分担的风险，日本创新性地制订了制作委员会制度。1992年的日本动漫电视剧《无责任船长泰勒》率先引入了这种制度，此后《新世纪福音战士》也运用了这种制度，并在全球大热后，让制作委员会获得了丰厚的收益，并为整个日本动漫产业所效仿。

所谓制作委员会，其实并不复杂。大体为动画厂商负责制作，电视台负责提供档期，广告代理店负责招商与募集资金，三方分工明确、共享收益。

圣斗士星矢

换言之，制作委员会即以动画为中轴，在制作原创动画或漫画改变动画之前，即由整个相关链条的厂商共同参与进来，以确保动画播出后，能够同步在产业全链条上获得更大收益。

这样的制作委员会，效能如何？以连载15年的《火影忍者》为例，除了漫画和动画，官方授权开发的游戏产品就将近50个，与“火影”有关的手机应用更超过1096个，其中多数都是游戏。

如果是完全的原创动画，则自由度更大，制作委员会在先期企划出总体的世界观或故事背景后，往往会分别推出漫画、动画、游戏、小说、音乐、广播剧、舞台剧、真人电影、电视剧等各种媒介载体的产品，完成对市场的细分。

周边产品亦是如此，生产商往往参与企划，根据当时社会热点及角色消费者的兴趣爱好，对角色进行服装、道具等的设定。而当动漫作品上线时，商家便会同步开售作品角色所使用的服装道具，达到角色商品和作品间的完全联动。

哆啦 A 梦

毋庸置疑的是，衍生品才是制作委员会能否盈利的关键。长期以来，动漫与周边的收益也不负众望地保持在3:7的稳定比例之上。

西班牙国脚伊涅斯塔多次身穿大空翼同款T恤招摇过市，阿根廷国脚阿奎罗戴着印有大空翼图案的护腿板上场……体育明星免费“代言”的粉丝情结，恰恰是衍生品战力的明证。

细分、垂直、脑洞……挖掘可能存在的蓝海

仅仅一个制作委员会，并不难仿效。但日本动漫产业却从不局限于这一限制，走的更远、更野，才是其常青的秘诀。

粉丝与媒体津津乐道的趣闻往往更能反映整个产业的真实状态，无论是对传统产业的推动、对粉丝经济的异类深挖，还是在自己的动漫输出上进行科技创新。

长野县立石公园、湘南海岸、屋久岛、道后温泉等经典的大热，就在于其是《你的名字》《灌篮高手》《幽灵公主》《千与千寻》等动漫作品的现实取景地，至于秋叶原商圈成为二次元粉丝必去之地，则发端于《新世纪福音战士》的热播。

《幽灵公主》（1997）

2007年诞生于日本的初音未来，作为雅马哈开发的一款音乐虚拟合成软件Vocaloid中的一组音源库，依靠二次元的形象和设定以及粉丝制作的庞大歌曲库，仅在2012年就达到4060万日元，超过日本偶像团体AKB48中排名第一的偶像前田敦子，成为名副其实的世界第一虚拟偶像。

2015年上架的游戏《刀剑乱舞》以及其动画、舞台剧，让一向门可罗雀的刀剑美术馆变得人满为患，并让传统铸刀业找到了新的增长点。

2017年，日本机器人开发公司Gatebox旗下的实验室推出了“次元渡航局”服务，帮助二次元爱好者“跨越次元”与喜爱的二次元角色结婚。此前，该公司还推出过一款话题性产品：二次元妻子，一款全息投影的二次元智能管家。

2018年，大日本印刷推出一项人工智能服务，可使用自主开发的能自动识别漫画内容，用10秒就能对一格漫画进行上色的AI，让黑白漫画彩色化……

文/张书乐

摄影/youthx青年、李嘉琦

《从山寨到脑洞，日本动漫产业凭什么火爆50年？》选自《艺术商业》11月刊，文章有删减

《艺术商业》11月刊