郑阳 半文艺术传媒丨郑阳：木心晚年专属摄影师，摄影界的哈里波特

原文:罗兰半文本艺术媒体

独立摄影师、巴隆艺术创始人杨铮，国际巨星尼古拉斯凯奇、大卫贝克汉姆、画家陈丹青、导演、摄影师、动作艺术艾未未、指挥家、钢琴家郎朗、克莱德曼、摇滚音乐人崔健、黄、爵士歌手、劳拉费吉……

我第一次见到杨铮是在1924年上海衡山路的一所老房子里。他说话的语气让我经常呆在眼睛里。我对他的第一印象是毡帽、卷发、卡其色风衣和牛仔裤。经过了解，我才知道他是穆欣先生晚年的专属摄影师。穆欣先生说他是摄影界的哈利·波特。

杨铮在上海的摄影工作室名为“巴龙艺术”，也是由穆欣先生题写的。他为穆欣先生晚年拍了许多照片，都是珍贵的视频资料。

当然，杨铮的独立性格也来源于摄影之外的修养和积累。穆欣先生对杨铮的摄影创作影响很大。杨铮最喜欢穆欣的诗，从中吸取养分，积累中国资本，充满活力。尤其是他的风景摄影，充分体现了诗的美和思辨。杨铮认为:“风景不在风景中，而在风中。”这句话本身就是诗意的。他写的《江南树》其实根本不是树，而是水。当他给穆欣先生拍照时，他拍下了穆欣先生的手。丈夫告诉他:“你可以像这双手一样给一个人画像。”这是对诗歌的一种理解和表达。

后来他的黑白人像摄影作品在有近百年历史的古别墅空展出。当你看着那些熟悉或知名的面孔时，你会不由自主地感受到一种尊重，感受到历史，感受到生活，害怕摄影。这些小照片承载了许多我们无法忘记的东西。

照相机一直是杨铮观察周围事物的工具。小学二年级的时候，有一天，杨铮早上还能听到声音，但晚上就听不见了。后来他的一个朋友开玩笑说外星人把你的听力抢走了。

大约14、15岁的时候，杨铮充满了青春的激情，他没想到有一天会在电视屏幕上拍摄吉他手。

18岁时，杨铮的一个朋友借给他一架小相机。当他看到相机这么小的时候，他可以拍下世界。当时他觉得，能把美景记录下来，是一件很奇妙的事情。后来他买了一台柯达相机，一路拍下来。小时候，他妈妈给他拍了很多照片。想必他是受她影响，从小对摄影有潜在的热爱。

半文本影视媒体的创始人罗兰采访了杨铮老师

2008年去迷笛音乐节巡演，拍照。当时听到一首很痛苦的歌，就喜欢跑过去和他们一起巡演。感觉你喜欢一个人，跑过来要他的联系方式，想和他在一起。这是一个自然的过程，他在身上纹了一个痛苦的名字。这是最喜欢的表达方式。

2012年，杨铮来到上海。他更喜欢古典的装修风格，位于上海的工作室，工作室位于民国时期的花园洋房，内饰洋气，陈列仿古家具。墙上挂着许多世界著名艺术家和知识分子的肖像，都是杨铮的作品，不分性别。

杨铮特别喜欢看老照片。“我想我能非常清楚地回忆起当时的情景。每一句话，每一个动作，都像在演一部电影。好像又回到了过去。”

对杨铮来说，魔术之都实际上是他心中的堡垒，被高大的城墙包围着，他生活在这个被围困的城市里。突破就是涵养。不管外面是否还有另一座围城在等着他，他还是要穿越，穿越，在左右的碰撞中完成灵魂的自我救赎。他想用摄影征服这座城市。

▲尼古拉斯·凯奇

摄影师的身份是永恒的，因为它具有某种超越性，超越尘世的种种，提醒我们前方总有一束光，等待着我们虔诚地去追寻。

▲大卫·贝克汉姆

摄影凝聚了很多摄影师的感受、想法、概念。杨铮有时认为摄影是一部瞬间静止的电影，根据不同的创作会有不同的表现。他的大多数优美感伤的作品模糊了历史感和真实感，具有一种旧式文人的气质。

▲岩井俊二

所以他的照片可以说是充满了优雅的诱惑力，强烈的吸引着观者进入其中。在杨铮，两个有代表性的系列，纪录片摇滚系列和100位艺术家的创作系列，都是黑白拍摄。杨铮说黑色和白色统一了所有的颜色。“我个人喜欢使用强烈的对比。以前朋友问我为什么拍黑白，我问你为什么拍彩色。其实这是创作手法上的差异，你可以找到适合自己的。”只拍黑白照片无疑会放弃最华丽的摄影技巧，但这已经成为杨铮摄影最基本的特征。

▲鲍勃·迪伦

杨铮说他最喜欢的西方摄影师是优素福·卡什，他给了杨铮很多营养。例如，卡什过去常常带着一台8×10英寸的大照相机四处旅行，拍摄他感兴趣的名人。杨铮曾经拿着相机和他最喜欢的摇滚乐队一起拍摄，一路流浪，一路创作。这种游弋感是很多摄影师梦寐以求的，也是最重要的。

▲穆欣

拍摄时，他总是努力让自己进入一种沉思的心境，努力让照片来找他，而不是他去追。他去研究季节、天气和风景，从自然环境中获得的快乐似乎让他回到了童年。他认为摄影最重要的不是技术，而是如何打动人，触动人的智能和情感。

▲穆欣先生的手

杨铮

“摄影是最简单的艺术”摄影师要做的就是在合适的时间和地点捕捉。杨铮认为，任何艺术都有艺术家世界观的表达，无论他是否拍照，艺术都是他的信仰。

杨铮

摇滚场景的拍摄是由于杨铮对摇滚音乐的热爱，杨铮笑着称自己为嬉皮士。事实上，杨铮在中国摇滚界的名气不亚于摄影界，因为在中国的大型摇滚音乐节上绝对可以看到杨铮。当然，他是以摄影师的身份参加的。

摇滚系列作品的记录意义大于艺术价值。这些作品并不像一幅肖像那么精致和稳定，而是充满了不确定性、不准确性和躁动。一般可以分为展现舞台前场景、观众和摇滚音乐氛围的作品，以及反映音乐人后台生活的作品。这两种作品反映了当今中国摇滚乐的现状。

在痛仰乐队成立10周年之际，杨铮和乐队一起巡回演出，记录了当年一个中国摇滚乐队的南北漂移。这不仅仅是一个人的兴趣，更是一个摄影师的自由精神。从发现，到关注，再到投入精力和毅力，这不就是摇滚精神所在吗？

杨铮说每个人都在认真地做他们想做的音乐，那就是摇滚。他认为摇滚最应该吸引他的是，领先，做自己，不妥协。他很喜欢在每一个乐坛跳水，因为你可以放心的把自己交给别人。在空里，别人把你抱起来就像别人跳过去你拽他一样。这是摇滚应该有的。

像卡什一样，杨铮也擅长拍摄名人肖像。他会捕捉人物最专注的瞬间，通过特写细节勾勒出情节，然后通过情节还原故事，完成镜头中的叙事书写，使他的摄影保持持久的观察力。目前，杨铮正在实施“百名艺人拍摄计划”和“寻找百名风味女主拍摄计划”。100位艺术家的系列已经持续了五六年，现在还在继续。因为很多想法都是在拍摄中产生的，每个艺人都不太像想象中的那样。在拍摄他们之前，他会听他们的音乐，读他们的文字，理解他们的作品，并与他们交流。

▲杨铮“摇滚系列”

拍摄著名艺术家和公共知识分子是非常困难的，因为大多数观众都会有预期的心理准备，一个名人的基本气质是无法改变的。然而，杨铮拍摄的名人肖像完全不是从公众的角度来处理的。例如，当他拍摄理查德·克莱德曼时，他发现克莱德曼的手腕上戴着一只手表，杨铮拍摄了一张克莱德曼的《弹钢琴的手》的照片，这是一张由一双手以极快的速度敲击琴键和一只手表组成的照片。画面的空中间性结合手表所表达的时效性，正好说明了音乐的时间空特性。要把人拍清楚，这不是一件简单的事。在继承西方传统人像摄影的基础上，加入了哲学和诗意。杨铮的人物摄影是纸上的影子，不是肖像！

大多数艺术家都知道杨铮的听力不是很好，他们对他很好。在他的印象中，他们可能和他在电视新闻报道中报道的不一样，也可能根本不一样。以后他再也没想过哪天拍，就一直拍。

杨铮说，这些照片已经成为档案。他在画像中寻找历史，又回头看以前的照片。不熟悉的或者熟悉的，或者出名的但是没见过的，总会有复杂的感情，其中最情绪化的应该是生活的情绪。写真照片内涵太多了。面对一张脸，人们必然会陷入对他所生活的身份、经历、命运乃至时代的猜想。

多年来，在一系列对城市生活、肖像画和外国人文的不断关注中，杨铮举重若轻的姿态引起了人们的关注，展示了他生动而独特的视角，表达了摄影师对社会和生活的视角，关注了社会的每一个成员。他以肖像照片为线索，勾勒出一段历史，“肖像”在杨铮的摄影中具有独特的意义。

历史是人类创造的。从照片上回望历史，最重要最真实的应该是不同时代的画像，人的面孔，各个年龄段的人。历史是在照片中一起被记录和解读的，而这些主动走进镜头或被偶然捕捉到的肖像，都反映了一个人在一个历史时期的另一个真实。

“不同就好，我不想太相似。我们出生在不同的时代，有着不同的背景。她不认识我，但我认识她。我尊重她的照片，承认我们之间有精神上的联系。我想继续探索这样的联系。”

现在杨铮享受它现在的状态。他认为听力问题就像一枚硬币。他有积极的一面，也有消极的一面，没有对错，没有好坏。每个人都有自己的命运。事情发生了就要继续，顺其自然。他并没有过于乐观的面对，就像你跌倒了，你觉得需要爬起来一样。

当杨铮发现他不再像以前那样对前方抱有希望时，他意识到他需要做出改变，就像一支摇滚乐队一样，他们想环游世界，寻找自己的灵感，寻找自己的另一个世界，与此同时，他认为一个人应该去另一个舞台，但要审视自己的内心，找到更深的自己。人不应该局限于自己的城市，他应该去大自然。