曹郁照片 曹郁：我作为一名摄影指导是如何工作的

媒体参考指南:他是金马奖历史上最年轻的获奖摄影师，被媒体评为“最具艺术家气质的摄影师”。作为中生代摄影家的代表，曹禺用他的镜头创造了一种富有诗意和情感的影像风格。诗和光是理解这种风格的关键。

“摄影师是帮助连接两个世界的人，跨越艺术和技术。可以和导演谈剧本或者美感，但也需要量化这个东西，比如需要放多少光，相机需要多大光圈。”

“我觉得八百是一首诗，一个自我救赎的故事。这首诗里有批评，有赞美，叫做黑暗与光明，同时又有微观与宏大的结构。”

“摄影师可以得奖。除了与导演密切合作，至少40%的技术学分是由艺术家提供的。所以除了找好导演配合，还需要找好艺人。”

曹禺

曹禺，中国著名摄影师，坏兔电影的创始人。而陆川、王家卫、陈凯歌、管虎等导演，则被誉为“可可西里”“南京！南京！”《西游记》《摆渡人》《妖猫传》《八百》(后期制作中)等。，并获得金马奖、金像奖、圣塞巴斯蒂安国际电影节、亚太电影奖、亚洲电影奖最佳摄影奖、洛杉矶影评人协会奖最佳摄影奖等多项大奖。他是金马奖历史上最年轻的获奖摄影师，被媒体评为“最具艺术家气质的摄影师”。作为中生代摄影家的代表，曹禺用他的镜头创造了一种富有诗意和情感的影像风格。诗和光是理解这种风格的关键。

课程主题:光影是我对世界的爱

演讲者:曹雨

第一部分:“我不叫相机”:从卡梅隆到D.P .一个世纪的变化

第二部分:伟大的摄影师:形象气质的创造者

第三部分:摄影阐释一首视觉诗

01如何组建摄影团队

"这部电影就像一座由积木组成的建筑，每一块都是不可或缺的."

大部分非专业人士只知道导演和演员，很多人分不清摄影师的位置。为什么摄影师称摄影为摄影而不是录像有意义？其实意义重大，因为它是通过历史流传下来的。

因为早期的片子很简单，摄影工作也很简单，只要确定曝光正确，手摇相机均匀等等就可以了。不久，这个简单的工作就被一个马达代替了。所以早期的摄影师叫卡梅隆更像是一个摄像师。

20世纪二三十年代，电影越来越复杂，摄影越来越重要。后来名字变长了，就叫电影摄影师，电影摄影师。然后，电影越来越注重视觉效果和影像风格，而这些东西，导演都需要另一个人帮他一起创作，于是摄影师开始被称为:摄影总监，也就是摄影总监。

不仅仅是摄影，随着电影的复杂化，电影的各个行业开始获得好的片头。比如艺人以前叫艺人，现在叫制作设计师，剧组出现了很多导演。

其实这也就意味着大家终于被尊重了。我们愿意用生命去拍摄，就是希望被尊重。所以这个职业的称号就是尊重的体现。这就是为什么我在乎别人怎么称呼我，因为这不是一个人的事，这是通过所有摄影师的努力一步步获得的荣誉。

有时候摄影队可能只有四五个人，有时候可能七八十个人，也可能几百个人，很灵活。我们拍《八百》的时候，摄影队大概有170人。

摄影队一般包括摄影组，主要用相机拍摄。在摄影团队中有一个很重要的位置，但是摄影总监并不总是亲自拿相机，因为拍摄的时候还有很多其他的工作要处理，如果拍摄的时候用了多个相机的话，一定要找一个相机帮他一起操作。

第二组是灯光组。第三组是机械工程组，主要负责轨道车、电梯或者更复杂的移动设备。摄像机的运动取决于机械组。第四组是DIT组，也叫数字工程组，主要负责资料的收集、整理和编码，并移交给不同的部门，如制作公司、配色公司、特效公司等。

摄影师如何开始工作？

“摄影师工作的首要也是最重要的任务是向导演提出一个视觉概念，这个概念决定了电影能否成功，或者说摄影师能否成功。”

我和陈凯歌导演拍《妖猫传》的时候，他曾经说过:“在一个剧组里，有两个角色可以称之为导演，一个是导演，一个是摄影导演。”当时我很感动，很受鼓舞。

摄影导演是做什么的？简单来说，摄影控制气氛，营造电影的影像气质，捕捉演员的表演。这一切都很难做好，需要摄影和演员之间的信任和互动。需要和各个部门沟通，现场拍照更像是一个“包工头”，所以很多摄影师有时候会被告知因为负担重脾气不好。

为什么导演一定要找摄影导演？导演负责整部电影的导演，形象更具局部性和专业性，需要交给专业人士，他就是摄影导演。

电影史上导演和摄影师合作的成功例子很多，合作关系很长。那为什么导演和摄影一定要绑在一起？就是因为导演很难找到一个人用影像来表达自己的电影气质。

《八白》拍摄现场，右起:摄影师曹宇，导演关虎，艺术森林

电影现场创作的时候有一个很好的铁三角:导演、摄影导演、制作设计师，每张图片都是这三个人做的。摄影师可以获奖。除了与导演的密切合作，至少40%的技术功劳是由艺术家提供的。

相反，一门好的艺术至少有40%是通过摄影实现的。所以除了找好的导演配合，还需要找好的艺人。摄影、导演、美术要互相适合，不然剧组会很难受。

作为一个摄影师，最重要的工作是创造一个有自己个性、文化素养和习惯的形象，把自己的想象力和创造力融为一体，以满足导演的要求。所以，摄影师工作的首要也是最重要的任务就是向导演提出一个视觉概念，这个视觉概念决定了电影的成功或者说是摄影师成功的基石。

准备拍可可西里的时候，导演陆川问我想拍什么。既然我没去过可可西里，我们可以先看看风景。回来后我说，我不想拍一部阳光灿烂的可可西里，我只想拍一部阴郁的，这样更适合电影里人物的命运，而不是明信片般的收藏。

可可西里的剧照

到南京！南京！“，我们拍了一张黑白照片。因为我觉得黑白对人的精神有一种净化感，黑白的图像自然抽象出所有的元素，观众不会注意到血液、肌理、衣服等。，但只有演员的脸。

导演陆川和我说:不像可可西里，这部电影讲的是环境和人的关系。南京！南京！“环境根本不重要，人重要。在我的概念中，这部电影是由不同的面孔组成的。所以，用黑白来表达，一方面可以掩盖血淋淋的画面，减轻观众的负担；另一方面，它有一种精神净化的感觉，这使得观众更加关注这些人的脸。

03如何阐述自己的形象概念

"我觉得《八百》是一首诗，是一个自我救赎的故事."

每次拍摄都要提出很多概念。怎么才能提出这些概念？我一般会给导演写一个摄影解说。可可西里选景的时候拍了很多照片。我觉得这些照片代表了可可西里的样子。我用这些照片形成视觉感受，配合摄影告诉陆川导演我们该怎么做。

可可西里选景时拍摄的照片

《八佰》摄影阐述：“最黑的夜，最亮的光”

八百年摄影的题注是:“最黑的夜，最亮的光”(出自《巴别塔》的闭幕字幕)。这句话可以从哲学的角度翻译很多意思，也可以从视觉的角度给人一种直观的感觉。这个标题对我很重要。导演看到了，就能看到视觉。他能感觉到我想要的是一种对比和抽象的摄影，而不是现实主义。

我觉得《八百》是一首诗，是一个自我救赎的故事。这两张照片是《塔可夫斯基的镜子》和《怀旧》的剧照，都是很有诗意的电影。我想通过这张照片告诉导演，我想拍出这个诗意的形象。

这首诗里有批评，有赞美，叫做黑暗与光明，同时又有微观与宏大的结构。可能是我们创作摄影的时候拍个特写或者全景。我要的是微观和宏大，也就是说我要两极的风景:非常近的特写或者非常完整的全景，中间部分就忽略了。

下面的图片是特别有感觉和质感的图片。

在这里，我们开始讨论一个问题，我是不是要像拯救大兵瑞恩一样拍八百。

在我看来，这还不够。其实这个问题困扰我和导演很久了。我们想过要不要拍《拯救大兵瑞恩》，这是一个创作者在创作过程中必然会遇到的问题。所以我想解决这个问题。我认为我们不需要完全重复《拯救大兵瑞恩》。《八百》不仅是一次心灵之旅，更是一首视觉诗。

然后就是光的问题，叫做“黑暗与光明”。

我觉得八百应该有一种光影写意的感觉，把麦克白的剧照放在解说里。

然后，进一步阐述。这张照片说明我们的片子要有光源的合理性，可以夸张，但一定要合理。

黑暗是高光的基石，光只能在黑的背景下展现，这其实是摄影师创作的重要手段。比如七宗罪，末代皇帝，现代启示录，教父都用完美黑。八百是个很重的科目，所以黑色是其中很重要的元素。

然后，我开始讲相机的使用，这部分还是追求更真实的感觉。

然后我就开始讲电影的质感，一般观众很难注意到，但是会下意识的感受到。

《金刚》更多的是“老粉丝”，是用35 mm胶片拍的；《卡罗尔》用的是超级16 mm的片子，当时张艺谋的《秋菊的故事》也用了。纹路很粗糙，但《卡罗尔》用粗糙的胶片产生了印象派绘画的效果；《银翼杀手2049》采用主流数码相机，非常清晰，极其精致；《爱乐之城》采用35 mm胶片，有老片子的感觉，有怀旧的效果。

《八白》是国内第一部完全用数码IMAX相机拍摄的，全球只有60多台相机。我们很荣幸被分配两台摄像机进行拍摄。当我们知道我们可以用这个相机拍摄时，我们正在讨论八百需要什么样的纹理。希望八百是现代主义画卷的效果，而不是模拟电影的颗粒感。这不是好坏，而是摄影师的喜好。艺术没有对错，所以不同的摄影师会有不同的影像。

然后我们也参考了毕加索的画。

然后就是主题色。我找了我最喜欢的《醉山歌》作为例子，告诉我我会降低色彩饱和度，突出绿、蓝、黄、黑。虽然这是一个30年代的故事，但却是一种冰冷而现代的色彩。

最后，我进一步阐述了我的观点。我觉得八百是一首诗。

然后顺便说一句，《妖猫传》。

《妖猫转向》给了我一个空，可以用光表达很多意思。我们采用了全新的现场工作方式。拍摄一个场景时，所有的灯都是一次性设置好的，拍摄时不做任何调整。所有的灯都连接到调光平台，最多用几百个通道。就像现场表演一样。

场景可以理智地调整灯光的颜色和亮度，这在过去是不可想象的。这么大的电影，我们会提前有拍摄计划，完全临场发挥是非常非常困难的。这种即兴表演需要当事人有特别强的情感储备，还要有高超的技巧才能完成。我自己也很喜欢《妖猫传》，很尊敬陈凯歌导演，感谢他给我机会。

摄影师要给导演很多创意，所以摄影师要有超强的想象力，设计出不同的风格。同时必须有特别强的现场执行力。如果没有执行力，那只是构思一个想法，没有用。摄影师一定要会拍。

如何执行第一步

“通过试片，我们已经可以看到一部电影的气质，包括镜头的运动模式。就是一个很好的例子，可以找到基调。试件虽然很粗糙，但能表现出未来创作的倾向，所以试件很重要。”

我的工作方式是先给导演一个试片，国外很多摄影师也在用。

因为解说中有很多概念性的东西，只有把它们变成光线或者镜头运动才能实现，所以我先给导演做一系列测试片。南京！南京！试件是为了解决两个问题:1。我们是用录肩相机拍摄，还是稳定拍摄？2.是黑白的还是彩色的？当时制作人对黑白有疑虑，我就做了黑白和彩色两个版本。最后我们的制作人同意黑白拍摄。这也是摄影师做作业的作用，让制作人提前看到最终结果。所以准备工作一定要扎实，一点一点来。

南京！南京！试片截图

通过试片，我们发现肩部摄像效果更好，肩部摄影更即兴，更贴近演员。所以南京！南京！近95%的镜头是用肩扛相机拍摄的。

不过我们也发现定位也不错。比如唐天祥(魏凡饰演)死后，我们用的是稳定的横镜头。然后我们还发现，红血丝在彩色胶片上很抢眼，但在黑白胶片上就变成了深灰色。黑白电影里，一个满脸是血的人，感觉像是被粘在了泥里，然后抬起脸后的效果完全没有了血的感觉。

于是我们尝试了各种红色，最后发现不是颜色灰的问题，而是浓度的问题。一定要加强定力，让它更像黑白电影里的血。然后，和制作设计师易浩一起，我们尝试了所有可能的化妆造型和场景设置的材料。

还有南京！南京！通过彩色试片，发现彩色电影的精神净化不如黑白。黑白有一种精神力量感和人缘感，即使是摄影师也能立刻感受到。其实拍黑白很难，因为有特效。最后用彩膜拍出来，在数码调色的过程中变成黑白，最后印回彩膜上。因为省钱，我们用最不正规的方式拍了这部电影。

“八卦”试片截图

在《八百》中，因为我使用了特殊的颜色条件，所以我也用《八百》中的制作设计师树做了一个完整的测试。《八百》是一部投资非常高的电影，制片人华谊兄弟也想看看我们的成果，而且因为涉及到很多我们需要讨论的问题，所以《八百》在开拍前14个月拍了一部试片。

拍摄后摄影师的职责是什么

“演员在动，镜头在动，会给人一种‘电影’的感觉。这也是我喜欢单位置投篮的原因。只有这样的工作方式，镜头才能在空之间流动，才有舞蹈和音乐的感觉。”

摄影是摄影师最重要的部分。90%的摄影都是现场完成，10%后期(DI)完成。摄影师工作时，最重要的工作是什么？摄影师要照亮一个场景，提出一个照明方案。光是电影视觉最重要的部分，直接产生明暗和色彩的区别，也就是氛围。光线完全由摄影师控制，导演会参与意见，但质感基本由摄影师控制。

镜头的移动和演员的时间安排都是由摄影师和导演控制的。演员由导演控制，导演设计演员的排班，摄影师可以安排镜头的排班。这个环节最考验摄影师的适应能力，因为摄影师要和不同的导演配合，所以要适应不同导演的工作方式。

有些导演喜欢自己设计。比如陈凯歌导演特别设计演员和镜头的调度，就像一个舞蹈。因此，在现代摄影行业体系中，导演往往设计一个时间表，摄影师可能不参与相机的运动设计。

当然，有些导演要求全员参与。我和陆川、管虎合作的时候，他们要求摄影师要有自己的设计思路，所以这个比较灵活。

我和王家卫导演合作《摆渡人》的时候，他只负责演员，不管镜头是怎么拍的。所以很难定义如何合作。摄影师必须有很强的灵活性，才能与不同的导演合作。

这个链接也是很有魅力的一个。演员在动，镜头在动，会给人“胶片”的感觉。这也是我喜欢单位置投篮的原因。只有这样，镜头才能在空之间流动，才能实现舞蹈和音乐的感觉。

摄影师到达现场后，首先对现场进行打磨，这就决定了现场的氛围。然后邀请演员和导演走着排练。导演或导演和摄影或摄影会确定相机的调度，然后摄影师安排座位。

在拍摄现场，摄影师30%的精力不是用于摄影，而是用于交流。影片第一副导演很重要。他直接控制拍摄过程，所以我们需要和第一副导演沟通拍摄情况，演员化妆，时间安排等等。

第二个工作是和制作方沟通，比如用什么场地或者调整大家的工作时间。还要和艺术沟通，尤其是现场艺术，讨论道具的摆放。然后还要和CG部门沟通。怎么打，怎么协调是很复杂的任务。像八百这样的战争片，要和烟花、武术指导部门沟通，沟通轰炸点的安排。

总之，摄影部门需要互相协调，所以我说摄影总监30%的精力都用来沟通了。这也是对摄影导演的一个考验，如何用自己的专业精神说服别人，如何在谈判中学会一个特别好的筹码。这是一项非常复杂的工作，这也是我们需要区分摄影指导和摄影手持的原因。

在现场，对于摄影导演来说有一个特别难的点，他是导演现场的强力合作者。摄影圈对“土豆”是有定义的，所有会出问题的环节最终都会出问题，所以在拍摄特别复杂的场景时，大家都很紧张。

比如《八百》有一千多个场景，包括爆点、风、雨、雪等等。没有人愿意犯错，但有时候难免。如果出现错误，可能需要两个小时才能再次拍摄。

摄影总监要监督各部门的工作，确保不出差错。但是场景太复杂了，所以大家在开机前的那一刻都很紧张，这就更有必要对他们进行监督和鼓励。

摄影师最重要的工作是捕捉

“我特别自豪能够在事先精心准备的框架下做即兴的镜头移动和灯光移动。这是一个特别有艺术感的东西，让我觉得自己是个艺术家。”

特别喜欢肩部摄影，就像弹钢琴一样。把相机扛在肩上不稳定，可能会留下很多缺点，但这种拍摄方式是最直接的。拍“南京！南京！”，我们没有拆相机。我在现场看了陆川排练。灯光设置好后，我们直接开始拍摄，一般是一次停拍一卷胶片。

每次拍摄结束，全身颤抖，很辛苦。但每次靠近演员或离开演员，或倾斜或降低或升高，都是本能反应。所以在南京！南京！在《妖猫传》和《八百》里，我特别乐于做“即兴创作”。

虽然我很喜欢即兴创作，但是我是一个很严谨的人，对自己的一切工作都想的很仔细。但是在现场创作之初，我很喜欢即兴创作，就像爵士乐一样，感觉很奇妙。

我觉得只有即兴创作才是最至关重要的，也是最本能的，因为如果你想看清楚每一个演员，每一场表演，你会下意识的知道是用镜头来加强表演还是削弱节奏，等等。

所有的即兴电影在开拍前都不知道该怎么办。他们只是想着第一张图从哪里开始。所以我自己拿手机的时候，其实是双眼拍摄而不是闭眼，因为看不到周围的环境。

只有这样，在拍摄一个人的时候，一只眼睛在感受演员的表演节奏，另一只眼睛在观察周围的环境，这样镜头才能调整，才能和演员的表演节奏互动。这是一个很感性的过程，很难用语言来描述，就像演奏音乐跳舞一样。

影片剪辑完成后，会拿到调光室进行调色。这个阶段我会把电影看几十遍甚至几百遍，几乎每一个拍摄的序列都被记住了，所以当一部电影最后完成了色彩调整，短时间内就不想再看了。配色可以理解为超级高级的米托秀秀和视频PS。这是一个再创造的过程，需要我在屏幕上反复确认。

有时候在调色的过程中，我会怀疑自己的初衷，怀疑片子真的应该是这种颜色吗？因为配色阶段已经很久没有创作的最早阶段了。

比如《八百》，从拍完到我调色可能要一年多。此时很多感情已经模糊，人已经不在现场的创作氛围中。如何保证创作能够继续，也是一个很大的考验。

07“光影是我对世界的爱”

“你在舞台上遇到了合适的戏。其实不仅仅是你创造了电影，电影教会了你很多东西。这是拍电影最神奇的地方。”

今天演讲的题目是:“光影是我对世界的爱”。拍电影就像谈一场恋爱。每部电影都不一样，就像不同的女人有不同的气质。想接近她，一定要有不同的方法，不同的心理感受。拍好电影需要付出爱。电影特别像是在导演和摄影美术之间周旋的恋人。她很漂亮，很迷人，你得付出点什么才能赢得她的好感。

电影是活的，会自己成长。拍电影最美妙的体验就是你的人生旅程和电影是一体的。我拍完可可西里之后才知道，我不喜欢在城市里拍广告，更喜欢原始而强大的东西。拍“南京！南京！”，验证了我对人的爱是如何表达的。你在某个阶段遇到了正确的剧本。其实不仅仅是你创造了电影，电影教会了你很多东西。这是拍电影最神奇的地方。

所以导演希望电影属于导演，但其实音响工程师、制作设计师、摄影导演都想占有这个美好的人，但是没有用。电影其实是艺术女神，谁也不能占有她。她只是看着你。你要用自己所有的经历激励自己，不断总结自己的失败，然后学习光影，艺术，感受自己的经历，总结自己所有的长处，向这位艺术女神致敬，走近她，当她觉得好的时候，她会对你露出微笑。这一刻是最幸福的一刻。